Historia del Rock

Un día Phil Collins se enteró de que la banda llamada Genesis estaba en busca de un nuevo baterista. Así, Collins se puso en contacto con ellos y se alistó en las pruebas de audición. La competencia era feroz, ya que varios músicos también aspiraban a ocupar el puesto en la sección rítmica del grupo de rock progresivo.

El día señalado, Phil Collins se presentó en el sitio designado para la audición. La residencia de los padres de Peter Gabriel.

En su primer encuentro, la banda se encontraba en el patio del local con una agenda apretada por delante. El día era caluroso, creando un ambiente ideal para disfrutar del sol. Consciente de que habría una espera considerable, Peter Gabriel sugirió a Phil Collins que aprovechara la piscina de la granja para darse un baño y pasar el tiempo de manera más amena hasta que llegara su turno para tocar. Sin embargo, el vocalista no percibió que esta invitación a la piscina otorgaría a Collins una notable ventaja.

Mientras se sumergía en la piscina para refrescarse, Phil notó que desde afuera se podía escuchar a la banda acompañando a los demás aspirantes. Con ingenio, el músico comenzó a prestar atención a las pruebas de los otros candidatos, memorizando cada canción hasta aprenderse todo el repertorio que le tocaría interpretar. Cuando llegó su turno, Collins estaba seguro de que dejaría una impresión impecable, y así fue. En ese momento, logró asegurarse el codiciado puesto en una banda de alto calibre.

https://www.futuro.cl/2024/01/phil-collins-la-habil-maniobra-que-realizo-el-musico-para-entrar-a-genesis/

Trucos de músicos que conocen su oficio..

Quatro escribió:Trucos de músicos que conocen su oficio..

Aprovechó una oportunidad y el resto es historia.

Voy a dedicar este tema a compartir noticias y datos sobre la historia de rock.

Serías tan buenita de cambiar el título @Tomb?

Hoy cumple 43 años Killers, de Iron Maiden. El segundo álbum de la doncella de hierro se lanzó el 02 de febrero de 1981 y se ha ganado su lugar en el corazón de los  fans.

Ahora se le reconoce universalmente como un elemento esencial en cualquier discografía de heavy metal pero en aquel entonces, sin embargo, la respuesta crítica fue todo menos unánimemente positiva.

Nota completa https://www.futuro.cl/2024/02/iron-maiden-el-subestimado-y-preferido-de-los-fans-killers-cumple-43-anos/

Raga rock, cuando el rock encontró India.

El raga rock no es un género musical 100% delimitado, es más bien una etiqueta utilizada para definir la música rock “made in occidente” en la que se aprecia de forma clara la influencia de la música tradicional india. Esta influencia normalmente viene marcada por esquemas melódicos propios de un raga, o por el uso de instrumentos clásicos como la tabla o el sitar.

En occidente, el raga rock alcanzó su máximo apogeo a principios de los años 60, en plena efervescencia de la cultura hippie, cuando músicos y bandas como The Beatles se embarcaban en giras y viajes iniciáticos al continente indio. The Doors, The Velvet Underground, The Byrds o The Rolling Stones, fueron algunos de los grupos que popularizaron este subgénero musical de corte psicodélico.

https://www.lasociedadgeografica.com/blog/cultura/raga-rock-cuando-el-rock-encontro-india/#:~:text=%E2%80%9CSee%20My%20Friend%E2%80%9D%20(1965)%20%C2%B7%20The%20Kinks&text=Dicen%20que%20la%20canci%C3%B3n%20fue,por%20Asia%20de%20los%20Kinks.

“Last Days Here”, el documental de la turbulenta vida de Bobby Liebling

En este documental se aborda de manera apasionante la caótica vida del cantante de Pentagram, grupo de culto iniciador del doom metal.

Dentro del rock hay varios grupos y artistas que no nos explicamos cómo es que a pesar de su talento no lograron un éxito inmediato en su momento, pero afortunadamente muchos de ellos lograron a final de cuentas el reconocimiento que merecían, uno de estos casos lo encarna Bobby Liebling y Pentagram.

En 1971 en Virginia, Estados Unidos, surgió un grupo que comenzó a llamar en el circuito local, se llamaban Pentagram y poseían un sonido novedoso: denso, duro, con aires de psicodelia y el poder de un “ladrillazo en la cabeza”, era esa cosa que hoy llamamos doom metal.

Desafortunadamente una serie de circunstancias se fueron uniendo para impedir que lograran la fama, el éxito y la fortuna, aunque el principal factor era la impredecible, estrafalaria y autodestructiva actitud del cantante, Bobby Liebling, lo que parecía frenar el ascenso de la banda.

Bobby Liebling comenzó una decadencia personal notoria, lo que lo llevó a sufrir una terrible sobredosis que casi lo mata.

Liebling terminó enclaustrado en el sótano de sus padres, sufriendo de una terrible adicción al crack, la cocaína y otras sustancias, y presentando además deterioros graves en su salud mental.

Pentagram era un grupo conocido por pocos y Bobby un cantante olvidado. Pero un joven melómano descubrió un disco de la banda y quedó enamorado del grupo.

Se dio a la tarea de dar con el paradero de Bobby y lo logró. Así inició una relación de amistad y es así como surge “Last Days Here”, un documental que se plasma “el rescate” de Bobby Liebling que poco a poco va saliendo adelante de la mano de su familia, amigos, de un nuevo amor y de la música.

Este documental es apasionante por donde se le vea y el final inesperado es de antología.

Sin duda alguna, es una obra que todo apasionado del rock debe ver sí o sí.

https://monterreyrock.com/2020/12/last-days-here-el-documental-de-la-turbulenta-vida-de-bobby-liebling/

Documental completo

Los 'misteriosos' símbolos de Led Zeppelin

Para 'Led Zeppelin IV' el guitarrista de la banda decidió que cada miembro de la banda escogiera un símbolo que lo representara.

Page diseñó su propio símbolo y siempre se ha negado a decir que hay detrás. Rebuscando sobre la imagen que representa al guitarrista data de 1557 su única referencia que tiene y es sobre el planeta Saturno. Después de ahí, la imaginación es libre.

John Paul Jones se fue al "Libro de los Símbolos" de Rudolf Koch y encontró un signo con tres círculo que se unen en un punto. En matemáticas se conoce como vesica piscis. Se refiere a dos poderes: confianza y competencia.

John Bonham utilizó el mismo libro que Jones para encontrar un símbolos que hablan de la santísima trinidad de Madre, Padre e Hijo.

Y por último Robert Plant hizo como Jimmy Page y diseñó su símbolo. Es bastante simple ya que solo es una pluma que esta dentro de un cículo, basado en la civilización perdida Mu. Es el nombre de un continente perdido propuesto por el escritor y viajero siglo XIX Augusto Le Plongeon.

Hay un símbolo que mucha gente no conoce, que es el quinto, el cual aparece junto al título de la canción "The Battle of Evermore". De este símbolo se desconoce el origen.



https://www.rockfm.fm/al-dia/noticias/este-significado-los-misteriosos-simbolos-led-zeppelin-20220426_2047118

El 13 de febrero de 1970 se publicó el autotitulado disco debut de Black Sabbath.

Este álbum no solo es uno de los mejores discos debut de toda la historia del rock, sino que es considerado por muchos como el primer disco en la historia del metal.

Y esto obedece sí a la potencia de la base rítmica del grupo, al estilo vocal de Ozzy y la oscuridad de las temáticas abordadas en las letras de sus canciones, pero sobre todo al particular estilo de Tony Iommi para tocar la guitarra, lo cual se debió a un accidente que le cercenó parte de un dedo.

En 2 días y con un presupuesto bajísimo lograron grabar un puñado de canciones que lograron marcar a varias generaciones.

El álbum rompió con todo lo que se estaba haciendo en ese entonces y se convirtió en un total éxito en ventas, algo que resulta extraño tomando en cuenta las atmósferas oscuras y aterradoras de este disco, al grado de que se les catalogó como un grupo satánico.



https://monterreyrock.com/2023/02/aniversario-album-debut-de-black-sabbath/

Pase lo que pase, no te metas con el ego de Ritchie Blackmore.

Se trata de una lección que aprendieron por la mala los organizadores del festival California Jam, quienes intentaron doblegar al guitarrista de Deep Purple el 6 de abril de 1974; lo que despertó su ira y una de las venganzas más espectaculares en la historia del rock.

El británico aceptó que la banda participara en el festival, sólo si eran los primeros en tocar al caer la noche, pues necesitaban el efecto psicológico que provoca la oscuridad en el público, sin embargo, el grupo anterior terminó antes de lo planeado y la ABC dijo “ustedes siguen, suban”.

Ritchie se encerró en su camerino, abrió una botella y comenzó a afinar sus guitarras, sin embargo, el tipo de la ABC seguía tocando la puerta para que saliera, amenazándolo con demandarlo y llamar a la policía; otro productor más amable y los miembros de la banda lograron que subiera al escenario.

Como siempre, Blackmore subió vestido de negro, el sol alumbraba aún el escenario y la banda comenzó a tocar el tema Burn, sin embargo, el guitarrista no iba a olvidar tan fácil la afrenta contra su ego; por lo que en un par de minutos planeó una espectacular venganza para el final del show.

Deep Purple interpretó la canción Space Truckin’, fue allí que Blackmore dio rienda suelta a su ira:

Ritchie pide a uno de sus asistentes que rocíe de combustible parte del equipo de sonido, que le prepare varias guitarras y que esté atento a su señal para iniciar el fuego.

Blackmore coloca su guitarra en el suelo y la toca con la suela del zapato, la recoge, la frota contra su pierna, voltea a la izquierda y se encuentra con el lente de ABC, así que toma el instrumento y sin pensarlo lo azota varias veces contra la cámara.

El hombre está hecho una furia, sigue destruyendo la guitarra y la arroja llena de astillas a los miles de fanáticos, quienes pelean a muerte por quedarse con ella. Blackmore toma otra guitarra y avisa al equipo para que rocíen el combustible sobre los amplificadores.

Mientras los músicos siguen tocando como si no pasará nada, Blackmore da la señal, su asistente prende fuego al equipo, el cual explota casi de manera instantánea, la gente de seguridad sofoca el incendio y el escenario se llena de humo, mientras Ritchie sigue tocando con la suela.

El guitarrista recoge los amplificadores destruidos y los arroja fuera del escenario, la gente está vuelta loca por lo que piensan es parte del espectáculo, sin saber que lo que están presenciado es la venganza del huracán Blackmore, la canción termina y el público no para de gritar.

La banda deja el escenario, Blackmore observa de manera desafiante a la gente de ABC, mientras se escuchan sirenas de la policía acercándose del lugar; Ritchie mete al grupo a un helicóptero y se van volando del festival para evitar ser arrestados.





https://www.reporteindigo.com/piensa/te-metas-ritchie-blackmore-la-venganza-espectacular-del-rock-deep-purple/

Un 25 de julio de 1965, Bob Dylan saltó al escenario de Newport con una Fender Stratocaster que transformó su forma de hacer música para siempre

Corría el año 1965 cuando Bob Dylan decidió romper los esquemas a todos sus admiradores, se metió en el estudio con una guitarra eléctrica y dejó, momentáneamente, de lado el folk que le había caracterizado y por el que tenía tantos seguidores.

Así, se instauró en lo eléctrico, no solo se alió con su nueva Stratocaster sino que se unió a una banda que hizo que el nuevo trabajo tuviera una fuerza muy especial. La primera canción que construyeron fue uno de sus clásicos más universales, "Like A Rolling Stone".

Cuando salió “Like A Rolling Stone” fue una canción revolucionaria en muchos sentidos. Primero por su duración de seis minutos. Segundo, por el mensaje que Bob Dylan quería transmitir con una canción con la que estaba avanzando un cambio mentalidad y de ciclo, como quedó reflejado el 25 de julio de ese mismo año en el Festival de Folk de Newport.

Y es que el artista la interpretó allí en directo y fue el día en que todo cambió. Ese día Dylan abrió la brecha entre su pasado folk y el futuro que vislumbraba en el rock & roll. Ese día se produjo un cisma, fue el día en que Dylan se “enchufó”. Su público más fiel, los que le tenían como un referente del folk lo abuchearon sin compasión por usar guitarras eléctricas, pero también hubo quién entendió que él estaba emprendiendo un nuevo camino en el que, después de todo, al final no le ha ido nada mal.



https://www.rockfm.fm/anecdotas/noticias/bob-dylan-abucheado-sin-compasion-que-saco-hoy-nos-parece-normal-entonces-fue-escandalo-20230725_2810099

En 1967 Jimi Hendrix se presentó en Monterey Pop y el mundo de la música no volvió a ser el mismo.

En Europa, Jimi Hendrix ya gozaba de mucha popularidad, sin embargo, en Estados Unidos la historia era distinta. Sin embargo, la suerte de The Experience cambiaría cuando nada menos que Paul McCartney los recomendó alos organizadores del Monterey Pop Festival.

El festival mostraba actos de la mejor calidad pero nada los tenía preparados para la presentación de Hendrix, que sería la primera presentación importante que tendrían en Estados Unidos. La banda fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y tocaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’.

El set ya era memorable y la banda decidió cerrar con el clásico de The Troggs, ‘Wild Thing’. Durante la interpretación de esa canción, ocurrió un momento que se convirtió en leyenda: Jimi Hendrix destrozó su Fender Stratocaster, le arrojó un liquido incandescente y procedió a incendiar su guitarra en un ritual que hipnotizó a todos los que lo veían. Fue uno de los momentos más perfectos del rock e hizo que en todo Estados Unidos se conociera a Jimi Hendrix.

Inmediatamente después del festival, The Jimi Hendrix Experience fueron contratados para más conciertos y el resto es historia.



https://www.sopitas.com/musica/jimi-hendrix-1967-monterey-pop-festival-guitarra-en-llamas/amp/

'Johnny B. Goode' fue el primer hit de Rock & Roll acerca del estrellato en el rock & roll.

Aún hoy es la canción más importante del rock & roll acerca de la democracia de la fama en la música pop.

Además 'Johnny B. Goode' está basada en hechos reales. El personaje del título es Chuck Berry-"más o menos", según le dijo a Rolling Stone en 1972-. "La letra original decía <That little colored boy could play> (ese chico de color sabía tocar). "Pero lo cambié por <country boy> (chico del campo), sino no la pasarían en la radio."

Berry se tomó otras licencias poéticas. Johnny venía del "deep down in Louisiana, close to New Orleans" (las profundidades de Lousiana, cerca de Nueva Orleans) y no del St. Louis de Berry. Y Johnny "never ever learned to read or write so well" (nunca aprendió a leer ni a escribir bien), mientras Berry se había graduado de la escuela de belleza con un diploma como peluquero y cosmetólogo.

Pero la esencia de la historia de Berry -un guitarrista sin nada más que su nombre viaja a la gran ciudad y consigue ver su nombre en las marquesinas- es autobiográfica.

En 1955, Berry estaba trabajando como peluquero cuando conoció a la primera estrella de Chess Records, Muddy Waters, quien lo mandó a hablar con el cofundador del sello, Leonard Chess.

Para "Johnny B. Goode" Berry viajó en el tren del estrellato repentino, mientras que sus notas en el estribillo lo ponían, según el mismo dijo "like a ringin' bell" (como una campanita), logrando una perfecta descripción de cómo una guitarra de rock & roll puede hacerte sentir en la cima del mundo.

Tomado de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", editado por la revista Rolling Stone.

'Johnny B. Goode' figura en el puesto número 7.

Live Aid: el concierto de Queen que cambió la historia del rock

En julio de 1985 Queen desplegó sus alas en un concierto supremo que formó parte de Live Aid. Veinte años después, el 9 de noviembre del 2005 fue elegido como el show que cambió la historia del rock.

Freddie se lució. Lejos de comparecer con aires de divo, Mercury adoptó un aire relajado y simpático. Con actitud potente, rockera, armado con su característico micrófono-bastón. Daba la sensación de estar en todos lados a la vez: sentado al piano, adoptando poses, tomando una guitarra o bajando escaleras para alentar al público.

Los 20 minutos que Queen tomaron el escenario fueron la sinopsis perfecta de un concierto de rock: baladas, momentos power y partes de canciones para corear. Queen tocó seis temas: comenzaron con un fragmento de Bohemian rhapsody que enlazaron con Radio ga ga y Hammer to fall. Entonces Mercury se colgó una guitarra y recuperó Crazy little thing called love. Como remate, sus dos himnos del rock mundial: We will rock you y We are the champions. Efectivamente, habían sido los campeones.



https://www.airedesantafe.com.ar/cultura/live-aid-el-concierto-queen-que-cambio-la-historia-del-rock-n232293?gad_source=1&gclid=Cj0KCQiAz8GuBhCxARIsAOpzk8z022sJAUlxFQF6bn-QlO4qvgu9k1aTBz3L8WdwCyDjc13B7fYHyTgaApSJEALw_wcB

The Kinks: la venganza del grupo más subvalorado de la historia

Inventaron la distorsión en el pop, la apropiación de instrumentos exóticos, el videoclip con argumento, la denuncia social y la introspección en las letras y, por supuesto, las peleas entre hermanos en el rock.

A mediados de los 60, Los Kinks eran considerados los chicos malos que destrozaban hoteles, se peleaban en el escenario y eran ruidosos al punto de intimidar a Jimi Hendrix. "Hay quien los considera el primer grupo de heavy metal, pero los Kinks podían ser cualquier cosa que se propusieran ser", diría Mick Jagger. "Nunca he escuchado una canción de Los Kinks que no me gustara", señaló David Bowie. "Ray Davies es un genio. Siempre he sido fan", aseguró Bob Dylan.

Fueron una banda de jóvenes rabiosos que siempre llevaron la contra al punto de ser tratados de comunistas y prohibidos de ingresar en EE.UU. Cuando lo tenían todo para triunfar y conquistar el mundo con la invención de un sonido rompedor e innovador como 'You Really Got Me' fueron vetados en 1965 en Estados Unidos por unas circunstancias extrañas.

Los Kinks no gozaron de la popularidad y del prestigio de The Beatles o de los Stones. Esta es una de las grandes injusticias de la historia del rock. Una razón fundamental fue el veto en Estados Unidos: durante gran parte de los 60 los Kinks estuvieron lejos del mercado musical más grande del mundo, algo que no les ocurrió por ejemplo a los Who.

Sin duda uno de los grandes grupos de la historia del rock.



https://purochilemusical.blogspot.com/2018/01/the-kinks-la-venganza-del-grupo-mas.html?m=1

Estocada escribió:Un día Phil Collins se enteró de que la banda llamada Genesis estaba en busca de un nuevo baterista......

......El día señalado, Phil Collins se presentó en el sitio designado para la audición. La residencia de los padres de Peter Gabriel.

.... Peter Gabriel sugirió a Phil Collins que aprovechara la piscina de la granja para darse un baño y pasar el tiempo de manera más amena hasta que llegara su turno para tocar........

gabin:
Peter Gabriel el de 'Shock the Monkey', canción con sus distintivas y repetitivas notas del teclado.....
https://www.youtube.com/watch?v=CnVf1ZoCJSo

gabin escribió:

Estocada escribió:Un día Phil Collins se enteró de que la banda llamada Genesis estaba en busca de un nuevo baterista......

......El día señalado, Phil Collins se presentó en el sitio designado para la audición. La residencia de los padres de Peter Gabriel.

.... Peter Gabriel sugirió a Phil Collins que aprovechara la piscina de la granja para darse un baño y pasar el tiempo de manera más amena hasta que llegara su turno para tocar........

gabin:
Peter Gabriel el de 'Shock the Monkey', canción con sus distintivas y repetitivas notas del teclado.....
https://www.youtube.com/watch?v=CnVf1ZoCJSo

Me quedé pensando en Peter Gabriel. Es un músico muy creativo y sus recitales son buenísimos.

GENESIS Y PETER GABRIEL: CUANDO EL INGENIO CREA RUPTURAS

El 16 de agosto de 1975 Peter Gabriel haría oficial su salida de Genesis, grupo que se convirtió —con Peter Gabriel como líder —en pieza fundamental del rock progresivo y que ya sin él, tomaría un giro comercial que hoy los posiciona como una de las agrupaciones con más ventas en la historia de la música.

Paradójicamente, la salida de Gabriel se debió en gran medida a su talento y visión artística. Sus presentaciones eran un verdadero acto teatral en donde lírica, vestuario y música (todas creaciones suyas) generaban una experiencia alucinante para propios y extraños. Así, de manera automática, la atención se centraba en un frontman  que más que personificar, encarnaba.

Gabriel tomó las riendas creativas de Genesis en su totalidad, dejando poco espacio para las ideas de sus demás integrantes. Sus discos conceptuales se fueron complejizando desde su álbum debut hasta el que es quizá su obra maestra y una de las referencias totales del género: el disco doble de 1974 The Lamb Lies Down on Broadway, álbum que fue tomado por los demás integrantes como una imposición que opacaba sus aportes.

Simultáneo a lo anterior, existía un plan entre Gabriel y William Friedkin — director de El Excorsista —  para adaptar al cine la historia de una de sus canciones más grandiosas: “The Musical Box”. El proyecto, que no se llevó a cabo, tampoco fue visto con buenos ojos por los otros Genesis. Así, Gabriel decide terminar su relación con la banda y el resto acepta la decisión concluyendo con la etapa cúspide del grupo —creativamente hablando — el cual, si bien se encaminó a los lares del éxito comercial, nunca se acercaría a la inventiva e ingenio de su ex líder.



https://www.indierocks.mx/musica/articulos/genesis-y-peter-gabriel-cuando-el-ingenio-crea-rupturas/

Cuando The Who le arruinó el circo a los Rolling Stones

El filme "Rock and Roll Circus", rodado en diciembre de 1968, tardó 28 años en estrenarse y fue desechado en su momento por Jagger y Richards por la pobre actuación de la banda.

Cuando Mick Jagger y Keith Richards vieron la primera edición de The Rolling Stones Rock and Roll Circus un mes después de su filmación, en enero de 1969, se sorprendieron por lo bien que había estado The Who y por la fatigada actuación de los Stones. Richards sólo dijo: "Parece el Rock and Roll Circus de los Who".

El material se archivó y eso fue todo hasta 1993, en que la película que se creía perdida apareció dentro de un contenedor en el granero de la casa del guitarrista de los Who, Pete Townshend junto con mucho material fílmico de la banda. Llevó tres años restaurarla y finalmente se estrenó el 12 de octubre de 1996, en el Festival de Cine de Nueva York. Veintiocho años después de haber sido filmada y con categoría de documento musical del rock inglés.

Además de la magistral actuación de The Who participaron del Rock and Roll Circus de los Stones, Jethro Tull, con un invitado especial Tony Iommi (Black Sabbath) en la guitarra, el bluesman Taj Mahal, Marianne Faithfull, Yoko Ono y Dirty Mac, un súper grupo con John Lennon y Eric Clapton en guitarras, Richards en el bajo y Mitch Mitchell en batería.

La regular performance de los Stones se debió en buena medida a una cuestión puramente de organización. La grabación del programa que comenzó a las 14 se fue prolongando especialmente por los números circenses que debían ser repetidos hasta que saliesen perfectamente y los Stones recién tocaron doce horas después. Cansados y demasiado colocados, evidentemente no estaban en su plenitud.


https://www.clarin.com/espectaculos/musica/the-who-arruino-circo-rolling-stones_0_zgFJe0zbw.html

La llegada de Bruce Dickinson a Iron Maiden.

El 26 de septiembre de 1981, Iron Maiden hizo el que probablemente es el cambio de formación más importante que jamás realizarían. Ese día Bruce Dickinson fue contratado para reemplazar a Paul Di’Anno en la voz, al frente de la banda más grande que surgió de toda la explosión de New Wave of British Heavy Metal. Y no obtuvo una respuesta universalmente positiva en ese momento.

Bruce Dickinson había hecho un trabajo decente en Samson y claramente tenía una buena voz. ¿Pero era él realmente el tipo para tomar la posta al frente? El momento de la verdad para los fanáticos en el Reino Unido llegó cuando la banda tocó en el Rainbow el 15 de noviembre en Londres, un mes después del debut en vivo de Bruce Dickinson con la banda en Bolonia, Italia, frente a un público de intransigentes al que había que conquistar.

Dickinson estaba cantando lo que esencialmente era una lista de canciones de Di’Anno, y apenas tuvo tiempo de poner su sello en la banda. Sin embargo, hubo un par de nuevas gemas en la noche. Iron Maiden presentó «22 Acacia Avenue» y «Children Of The Damned», y estas versiones incipientes le dieron a Bruce Dickinson la oportunidad de expresar sus talentos, y pareció crecer visiblemente. Por supuesto, la sombra de su predecesor se hizo presente durante gran parte de la noche, pero hubo señales claras de que podría llevar a Maiden un nuevo nivel.

Posteriormente, los detractores que habían sido tan vocales de antemano, estaban bastante silenciados. Dickinson no se los había ganado, pero había hecho lo suficiente para persuadir a la gente de que le diera una oportunidad. Un empate de puntos. El consenso fue que se le debería dar la oportunidad de ver lo que podía hacer en el estudio para el nuevo álbum de Maiden. Y todos sabemos ahora cómo fue eso.



https://www.futuro.cl/2023/09/bruce-dickinson-hace-42-anos-se-unio-a-iron-maiden/amp/

"Nevermind", cuando Nirvana cambió la historia del rock

"Nevermind" salió a la venta el 24 de septiembre de 1991. Fue un disco que cambió la historia del rock y dio forma a un desencanto posadolescente que llega hasta nuestros días. Rompió con el rock de moda del momento, superficial, misógino y menos intenso.

Musicalmente, la explosión fue total, con temas como "Come As You Are" o "In Bloom" que oscilan entre la meditación y la lucha, la calma y la tormenta. Una síntesis entre Black Sabbath y los Beatles.

Nirvana solo esperaba que las ventas les permitieran pagar el alquiler pero el álbum destronó a "Dangerous", el octavo disco de estudio de Michael Jackson, del primer puesto en las listas de ventas.

Sin embargo, el traje de profeta del rock le iba muy grande a Kurt Cobain. El éxito y su adicción a las drogas no ayudaban. Finalmente, se suicidó en 1994 a los 27 años, como Jim Morrison, Janis Joplin y Jimi Hendrix.

Cobain tuvo tiempo, no obstante, para hacer de su carrera un mensaje político. Llevaba vestidos y decía abiertamente que 'si eres racista u homófobo no vengas a nuestros conciertos', también invitaba a bandas de chicas a sus giras.

Actualmente, los artistas que se confiesan influidos por el segundo álbum del grupo, van más allá de las bandas de guitarras.



https://www.infobae.com/america/agencias/2021/09/20/treinta-anos-de-nevermind-cuando-nirvana-cambio-la-historia-del-rock/?outputType=amp-type

‘Blonde on Blonde’ de Bob Dylan es una montaña rusa de emociones.

El álbum abre con la canción 'Rainy Day Women No. 12 & 35' que suena como una banda de música demente. Luego pasa al blues con 'Pledging My Time', antes de ofrecernos la encantadora 'Visions Of Johanna'; “¿No es como si la noche te jugara una mala pasada cuando intentas estar tan callado?/Nos sentamos aquí varados, aunque hacemos todo lo posible para negarlo”. Dylan tiene una habilidad con las palabras como ningún otro. Un verdadero poeta en todos los sentidos de la palabra. 'One of Us Must Know (Sooner or Later)', el relato de una relación quemada, cierra la cara 1 del álbum doble. La cara 2 se abre con 'I Want You', otra melodía clásica de Dylan repleta de un elenco variopinto de personajes. El disco sigue con 'Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again', 'Just Like A Woman', 'Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine' y 'Absolutely Sweet Marie'.

El disco es una mezcla de Blues, Rock y un sonido típicamente Nashville. Bob Dylan ha lanzado muchos álbumes increíbles a lo largo de sus más de 50 años de carrera, pero este se encuentra entre los mejores y lo sitúa entre los mejores compositores de todos los tiempos. Cierra con 'Sad-Eyed Lady Of The Lowlands' de 11 minutos, que nos lleva suavemente hacia la meta.


https://www.rs500albums.com/50-1/38

The Beatles: convirtiendo al rock en arte con «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band»

El disco número 8 de los Beatles, que se lanzó el 01 de junio de 1967, trazó una línea definitiva entre el pasado y el futuro en la música popular.

Hay pocos discos que definan tan completamente un momento en el tiempo como lo hizo el «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» de The Beatles.

Lanzado el 1 de junio de 1967, el álbum trazó una línea definitiva entre el pasado y el futuro, ya que los álbumes superaron a los sencillos.

El cambio estaba en el aire. Los Beatles ayudaron a dar forma a un período en el que el sencillo dio paso a declaraciones artísticas que duraban un álbum. Bob Dylan había lanzado»Blonde On Blonde» un año antes. Seguido de «Pet Sounds» de Beach Boys, un proyecto que fue, según Paul McCartney, «la mayor influencia en Sgt. Pepper».

Durante un período de cinco meses, el proyecto comenzó a tomar forma, aunque fue un proceso laborioso, ya que la tecnología de punta en ese momento era una configuración de cuatro pistas. Su atención al detalle y su coraje artístico dieron sus frutos. «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» se convirtió en la reconocida banda sonora de un colorido verano y, más tarde, en la piedra de toque principal de la época.

Se estableció un nuevo estándar de aspiraciones para lo que podrían ser los álbumes pop. «La gente jugó un poco segura en la música popular», dijo McCartney en una entrevista de la BBC en 1992, «pero fue entonces cuando nos dimos cuenta de que no era necesario».


https://www.futuro.cl/2023/06/the-beatles-convirtiendo-al-rock-en-arte-con-sgt-peppers-lonely-hearts-club-band/

Johnny Cash: el día en que grabó un concierto en la prisión de Folsom

La leyenda del country registró un set histórico frente a más de 2 mil reclusos en la prisión estatal de Folsom el 13 de enero de 1968.

Johnny Cash llegó para tocar para los reclusos de la prisión de Folsom en California el 13 de enero de 1968. Todo en medio de la depresión y un fuerte declive en su carrera musical. El concierto y el subsiguiente álbum en vivo lo lanzaron nuevamente a los charts. Y re-definió su carrera.

Su single de 1955 “Folsom Prison Blues” le dejó a Johnny Cash con la idea de grabar un disco en directo en una prisión y ese fue el germen de 'At Folsom Prison'.

Cash era popular en las prisiones de todo Estados Unidos y se sabía que mantenía correspondencia con los fanáticos encarcelados.

En 1968, al necesitar algo para impulsar su carrera, convenció a su compañía discográfica para que le permitiera grabar un álbum en vivo allí.

El día del concierto, a pesar de la presencia de guardias armados en los pasillos por encima de ellos; y la prohibición del director de permanecer de pie durante el espectáculo; el público de Johnny Cash estaba estridente, vigorizando a los artistas y dando un entusiasmo único a la grabación en vivo.

El álbum llegó al número 1, al igual que un álbum posterior grabado en San Quentin, y de repente Cash volvió a ser un nombre familiar.

https://www.futuro.cl/2023/01/johnny-cash-el-dia-en-que-grabo-un-concierto-en-la-prision-de-folsom/

Un artículo muy bueno sobre The Byrds escrito por Tom Petty para la revista Rolling Stone. Lo pongo completo porque no tiene desperdicio.

The Byrds son inmortales porque volaron bien alto. Para mí, todavía están arriba, muy arriba. Dejaron una marca enorme. En primer lugar, los Byrds fueron la primer respuesta creíble norteamericana a la invasión inglesa. Todo el folk-rock, a falta de un término mejor, desciende de la música que hacían los Byrds. Fueron definitivamente los primeros en introducir algún tipo de elemento del country en música de rock. Como si esto fuera poco, además, los Byrds alimentaron la popularidad de Bob Dylan. Y no es por ser demasiado superficial, pero eran la banda mejor vestida que había. Tenían una ropa y unos peinados buenísimos. Eso era importante también en ese tiempo.

Nunca me voy a olvidar cuando escuché por primera vez en la radio "Mr. Tambourine Man", la sensación de esa guitarra Rickenbacker de doce cuerdas y esas armonías increíbles. Roger McGuinn me dijo que tomó el sonido de esa guitarra de A Hard Day´s Night, pero McGinn tocaba el banjo, y tocó la Rickenbacker con los dedos, en un estilo fluido que nunca nadie había intentado antes. George Harrison admitió que "If I Needed Someone" se inspiró en el tema de The Byrds "The Bells of Rhymney". Los Byrds eran la única banda norteamericana con la que los Beatles tenían una relación amigable y un diálogo. Esos Byrds originales realmente desafiaron al mundo en el corto tiempo en el que estuvieron juntos.

De alguna manera, eran una banda con poca probabilidad de convertirse en estrellas de rock & roll. Chris Hillman venía del mundo del bluegrass. McGuinn había estado en grupos de folk como los Limelighters y el Chad Mitchell Trio, y había tocado con Bobby Darin. David Crosby también surgió de la escena coffehouse. Gene Clark tocaba con los New Christy Minstrels. Mc Guinn me dijo una vez que los Byrds tuvieron que juntarse y realmente aprender a tocar rock & roll como grupo. Esa fue su primera conquista. Imagínense un montón de músicos folk en recuperación tratando de aprender como hacer bailar a la gente.

The Byrds representaron a Los Angeles tanto como los Beach Boys, salvo que los Byrds eran el otro lado de la moneda, eran la extraña banda de rock beatnik de l.a.. Son parte de lo que me llevó a Los Angeles y me hizo querer estar en una banda. Llegué a ver a los Byrds una vez en el festival de pop de West Palm Beach en el mismo programa que los Rolling Stones. Al principio, ese era el proyecto original para los Heartbreakers, queríamos ser una mezcla de los Byrds y los Stones. Nos preguntábamos, "¿Qué puede ser mejor que eso?".

Por Tom Petty




https://www.lanacion.com.ar/espectaculos/the-byrds-nid615176/

El día que Eric Clapton salió del escenario por Jimi Hendrix

Esto sucedió cuando ambos músicos se cruzaron en el escenario durante los primeros años de sus carreras.

Chas Chandler (manager de Hendrix) les contó a los miembros de Cream sobre el increíble talento que poseía Hendrix. Así que la banda convencida por Chas accedió a tocar con él.

Lo gracioso de todo esto es que Ginger Baker y Jack Bruce no querían que Clapton abandonara el escenario mientras Hendrix tocaba. Temían que algo pase, que al final Hendrix no sea tan bueno y era en ese momento en donde entraría Clapton para salvar el momento.

Pero no hay nada de qué preocuparse. Hendrix generosamente aprovechó la oportunidad para mostrar sus habilidades con la guitarra en el escenario. Tocó “Killing Floor” de Howlin’ Wolf ese día, una actuación que realmente dejó atónitos a todos y sobre todo a Clapton.

Chandler comentó tiempo después: “Clapton simplemente se quedó allí y su mano dejó la guitarra. Saltó del escenario. Pensé: ‘Oh, Dios mío, esto está sucediendo ahora. Fui detrás del escenario y él estaba tratando de encender un cigarrillo’. Le pregunté: ‘¿Estás bien?’  y él dijo: ‘¿Es tan jodidamente bueno?’ Escucho hasta diez compases después de una semana se rizó el pelo y venía a nuestro apartamento cada vez que tenía tiempo libre para pasarlo con Hendrix”

Posteriormente, Eric Clapton también habló sobre este memorable momento. Señalando que, si bien Jimi Hendrix “Hizo algunas de las acrobacias por su cuenta, como jugar con los dientes y a sus espaldas mientras tocaba”, eso fue suficiente para impresionarlo y agregó que: “Después de hacer todo eso, terminar y dejar el escenario, mi vida jamás ha vuelto a ser la misma”. Si bien la trágica muerte de Jimi Hendrix (1942-1970) puso fin a su breve amistad, lo que él despertó en Eric Clapton condujo a algo nuevo.


https://lashistoriasdelrock.com/eric-clapton-y-jimi-hendrix/

EL DÍA QUE 500 MIL RUSOS VIBRARON CON AC/DC, METALLICA Y PANTERA

Dentro de los festivales más impactantes de la historia del rock se encuentra el Monsters of Rock, realizado en Rusia el 28 de septiembre de 1991.

Este festival surgió en Inglaterra y se volvió itinerante, de ahí que se convirtiera en uno de los más populares a nivel mundial.

Pero el efectuado en Rusia tuvo algo muy especial: la cantidad inusitada de fans que acudieron al evento.

Y es que hubo 500 mil fans presentes (aunque algunos dicen que hubo solo 150 mil y otros elevan la cifra a 2 millones de asistentes), quienes se hicieron presentes en el Aeródromo Túshino de Moscú para disfrutar de las presentaciones de E.S.T. (único grupo ruso), The Black Crowes, Pantera, Metallica y AC/DC.

El evento fue bastante particular por el contexto sociopolítico en el que se dio, pues en ese momento la aún Unión Soviética se encontraba en una etapa de cambios radicales, abriéndose al mundo y aceptando la cultura occidental.

Este ambiente de “despertar” se pudo apreciar en la respuesta del público.

Por otro lado, el cartel era de ensueño.

De E.S.T. se sabe poco, pero por ser “de casa” llamaba la atención.

The Black Crowes iban abriéndose camino con su estilo cargado de blues y hard rock.

Pero las otras 3 bandas restantes acababan de sacar unos discos arrolladores.

Pantera estaba promocionando el aclamado “Cowboys from hell”, Metallica su “Black Album”, mientras que AC/DC vivía un nuevo aire con el disco “The Razors Edge” que incluía el hitazo “Thunderstruck”.

Así este cartel de antología atrajo a miles de rusos ávidos de vivir la experiencia de un concierto de rock.

Hubo varios disturbios durante y después del festival, pero afortunadamente no pasó a mayores y se logró dar algo que años atrás parecía imposible.


https://monterreyrock.com/2023/09/el-dia-que-500-mil-rusos-vibraron-con-ac-dc-metallica-y-pantera/

El verdadero Jethro Tull: el personaje detrás del nombre de la banda de rock

En los '60, cuando Jethro Tull comenzó sus andadas, no era raro ver cómo las bandas londinenses se cambiaban, de forma bastante usual, de nombre, para poder moverse en el circuito de clubes de la ciudad sin provocar sensación de repetición. El grupo tuvo nombres como Navy Blue, Ian Henderson's o' Nail o Candy Coloured Rain.

Los nombres de las bandas, por lo general, no los decidían ni los grupos, sino los agentes que intentaban que les contratasen. Uno de ellos, curiosamente, era todo un entendido en el campo de la Historia y decidió que Jethro Tull era un nombre perfecto para un grupo.

Lo más curioso es que el verdadero Jethro Tull, el original, fue un agrónomo que vivió en el siglo XVIII.

El nombre de la banda podría haber cambiado de nuevo, pero, aquella noche, el dueño del club en el que tocaron quedó tan contento que decidió que les llamaría de nuevo.

El “verdadero” Jethro Tull nació en 1674. Fue un agrónomo inglés originario de Berkshire considerado uno de los pioneros de la Revolución agrícola británica en el siglo XVIII.

Tull habría mejorado el diseño de la máquina sembradora remolcada por caballos en 1701, permitiendo que se pudiera cultivar semillas en filas ordenadas. A su vez, también hizo lo propio con la azada remolcada, de nuevo, por caballos. No fueron pocos los que utilizaron y adaptaron sus métodos, que acabarían sentando las bases de la agricultura moderna.


https://www.rockfm.fm/anecdotas/noticias/283-anos-muerte-del-verdadero-jethro-tull-personaje-detras-del-nombre-banda-rock-20240221_3158294

Ramones en el Roundhouse. El concierto más influyente de la historia del punk.

Cuatro jóvenes desaliñados con zapatillas raídas y cazadoras de cuero iban a ser los culpables de iniciar la explosión del punk en Londres. Seguro que nadie hubiese sido capaz de afirmar tal sentencia a mediados de los 70, cuando Ramones aterrizaron por primera vez en el Reino Unido. Por aquel entonces apenas congregaban con suerte a un centenar de personas en el CBGB, germen de bandas punk de la escena neoyorkina, por no hablar del discreto éxito comercial que les persiguió durante muchos años de su carrera.

Pero el 4 de julio de 1976 los Ramones tuvieron un motivo más para pasar a la historia. Aquella noche supuso su debut en tierras británicas en un concierto que hoy es recordado por su trascendencia.

Aquel concierto fue presenciado por muchos de los que hoy reconocemos como bandas icónicas del punk británico, y sirvió de rampa de salida de aquellas que ya empezaban a hacerse un hueco como The Clash o Sex Pistols.

Y es que el movimiento colorista de imperdibles, crestas y actitud provocadora que hoy tanto relacionamos con el punk, no fue más que la capa de maquillaje que exteriorizaba el desaliento y la frustración de la que eran presos los jóvenes británicos, conscientes de que les esperaba un futuro sin futuro. Necesitaban un desencadenante, un pistoletazo de salida para dar rienda suelta a tanta rabia contenida, y como en muchas ocasiones ha ocurrido a lo largo de la historia, la música fue la forma de propagarla como la pólvora. Si la mecha de la estética la prendió Malcom McLaren (manager de los Sex Pistols), posiblemente la musical corriera a cargo en buena parte a los Ramones.

4 de Julio de 1976, el día en el que, posiblemente, tuvo lugar el concierto de punk más influyente de la historia: los Ramones en el Roundhouse.


https://vinilosblankgeneration.com/ramones-roundhouse-concierto-punk/

Sex Pistols. Un antes y un después en la historia del rock.

Formada en Londres en 1975, esta banda revolucionaria desafió a la cultura musical tradicional y dio lugar a un nuevo movimiento de música punk. Sus letras, arreglos y actuaciones en vivo provocaron un gran impacto en el público y desataron una ola de cambios en la industria musical.

Su primer álbum de estudio, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, fue publicado en 1977 y rápidamente se convirtió en un éxito comercial. Esta producción incluyó canciones como “Anarchy in the UK”, “God Save the Queen” y “Pretty Vacant”. Estas canciones, junto con la actitud provocativa de la banda, marcaron un antes y un después en la historia del rock.

A pesar de su corta carrera, la influencia de los Sex Pistols es indiscutible. Esta banda se ha convertido en un símbolo de la cultura punk, y sus canciones se han convertido en himnos de generaciones enteras. Los Sex Pistols han sido reconocidos como una de las principales bandas de rock de todos los tiempos, y sus álbumes y canciones continúan siendo una fuente de inspiración para los artistas de todo el mundo.

Los miembros originales de la banda, Johnny Rotten, Steve Jones, Paul Cook y Glen Matlock, eran conocidos por sus actuaciones en vivo y por sus letras contestatarias. Su álbum de estudio, Never Mind the Bollocks, fue uno de los primeros álbumes de punk rock en tener un gran éxito comercial. Esta producción incluyó canciones como “Anarchy in the UK”, “God Save the Queen” y “Pretty Vacant”, que se convirtieron en himnos de la cultura punk.

A lo largo de su carrera, los Sex Pistols se enfrentaron a la censura y la oposición de los medios de comunicación, y fueron objeto de críticas por su lenguaje provocativo. A pesar de todas estas dificultades, la banda fue capaz de ganar una gran cantidad de seguidores y de dejar una huella indeleble en la historia del rock.


https://www.slowradio.net/la-historia-de-sex-pistols/

The Clash: Los caudillos del Punk Rock

A mediados de los setenta del siglo pasado Gran Bretaña era una olla de presión. No había mucho hacia dónde hacerse. La crisis de 1973 había colocado la inflación en un rango de 26 por ciento. Los jóvenes no tenían demasiadas opciones y por si fuera poco el rock había perdido terreno como manifestación contracultural. Sobraba arte, pero faltaba rabia en el rock y en la contracultura.

Johnny Rotten tomó la estafeta, creó los Sex Pistols y todo cambió. En su proyecto la carta de presentación era el enojo y la insatisfacción. Lo de menos era saber tocar y cantar. Algo parecido sucedió en Estados Unidos con Los Ramones. El punk nació para incendiar lo que se pusiera enfrente con más energía que inteligencia.

Apenas se encendió la flama Joe Strummer y Mick Jones se conocieron. A diferencia de los Pistols, ellos tenían estudios y cierto bagaje cultural.

Así es como se empieza a crear de The Clash una de las bandas, sino es que la banda que dio una auténtica dimensión política al movimiento punk.

The Clash vivió cinco años. No llegaron a tocar la gloria que alcanzaron una vez que se separaron, pero sí vivieron a tope como para agotar hasta la última gota de combustible.

En The Clash coincidieron cuatro músicos que canalizaron el enojo y la crítica al sistema en una música algo sofisticada dentro del punk puro, pero coherente con su origen.

¿Es The Clash la mejor banda punk de la historia? Tal vez… en dado caso y al menos, sí fue la que mejor tomó el pulso de un movimiento que por definición no podía durar mucho, tal como les pasó a ellos mismos.


https://aristeguinoticias.com/1103/libros/the-clash-una-historia-breve-y-explosiva-resena/

La obsesión de John Lennon con el número 9

El número 9 ha perseguido a John Lennon durante toda su vida. Es creer o reventar, pero el Beatle parecía estar atado a este número, aspecto que desde muy joven empezó a notar y que luego tomaría forma y sistematización con su acercamiento a la numerología.

Muchos de los grandes sucesos de la vida de John involucran el número 9, que incluso llegó a formar parte de sus composiciones. Por empezar, Lennon nació el 9 de octubre de 1940, es decir que su vida se inicia comandada por este número; además octubre es el mes 9 dentro del calendario chino. Siguiendo en sus primeros años, es importante notar que su primera casa de Liverpool se encontraba en la siguiente dirección: 9 Newcastle Road, Wavertree.

Si vamos a uno de los momentos claves de su vida, la etapa en The Beatles, veremos que no escapa a la marca de este número. Por un lado, las nueve letras que componen el apellido de su compañero compositivo, Paul McCartney, con quien formaría la banda. Luego, la primera vez que Brian Epstein vio The Beatles, figura fundamental para la carrera de los Fab Four, fue un 9 de noviembre y luego, al año siguiente, firmaron contrato un 9 de mayo. “Love Me Do”, uno de los hits tempranos más importantes para The Beatles, fue lanzado un 9 de febrero de 1964. Todos eventos promisorios que direcionarían la carrera de la banda que cambió la música moderna.

Pero tal vez, en lo que primero pensamos cuando asociamos a Lennon con el número 9 es en el track “Revolution 9”, incluido en el White Album, el noveno disco de estudio de The Beatles. Esta canción contiene un loop, una voz que no deja repetir “number nine”, generando un ambiente hipnótico.

Luego de su carrera en The Beatles, este número siguió persiguiendo al músico, tanto en la dirección del edificio Dakota donde vivía con Yoko Ono, como la fecha de nacimiento de su hijo Sean y con sus lanzamientos como solista. Por supuesto que podemos pensar en esto como una coincidencia, pero resulta difícil ignorar cómo este número apareció tantas veces en la vida de John y a partir de espacios, sucesos y personas que fueron decisivos en su vida y carrera. A partir de su acercamiento a la numerología, el músico logró darle un significado a esta recurrencia y dejar de pensarlo como una mera coincidencia.



https://indiehoy.com/noticias/john-lennon-la-razon-de-su-obsesion-con-el-numero-9/

Muy bueno todo eso de John Lennon y el número 9, Estocada. Cuántas coincidencias, lo desconocía. Quizá si su asesino hubiera esperado un día más para dispararle a lo mejor habría fallado, por todo eso del número 9.

Tomb escribió:Muy bueno todo eso de John Lennon y el número 9, Estocada. Cuántas coincidencias, lo desconocía. Quizá si su asesino hubiera esperado un día más para dispararle a lo mejor habría fallado, por todo eso del número 9.

Por 45 minutos no se murió el 9 de diciembre. Casi.

El día que Ozzy Osbourne mordió la cabeza de un murciélago

Cuando Ozzy Osbourne muera su obituario tocará muchas cosas. Se centrará en el papel fundamental que desempeñó en la creación del heavy metal como miembro de Black Sabbath, la brillante música que hizo con el guitarrista Randy Rhoads a principios de los ochenta, sus batallas contra el abuso de sustancias y cómo su programa de MTV The Osbournes ayudó a lanzar una nueva era de la reality tv e, inevitablemente, también mencionará el incidente donde mordió la cabeza de un murciélago vivo durante un concierto.

El 20 de enero de 1982 Ozzy Osbourne estaba dando un concierto en Des Moines, Iowa, Estados Unidos, cuando desde el público fue arrojado un murciélago al escenario. Ozzy, en pleno apogeo de su problema con las drogas, pensó que era de juguete y no halló nada mejor que darle un mordisco a la cabeza.

Su descripción es tremenda: «Mi boca se llenó de un líquido tibio y pegajoso, con el peor gusto que se pueda imaginar. Podía sentirlo manchando mis dientes y corriendo por mi barbilla. Entonces, la cabeza del murciélago se sacudió y me pegó un buen mordisco. ‘Oh, fuck’, pensé. ‘No me digas que me comí un maldito murciélago’».

«Sus alas comenzaron a agitarse, quedé en shock e intenté sacármelo tan rápido que le arranqué la cabeza”, dice Ozzy, que tuvo que ser llevado a un hospital y pasarse una semana recibiendo inyecciones: «Me hicieron más agujeros que a un puto queso suizo. Pero imagino que era mejor eso que contagiarme de rabia».

Hasta hoy muchos lo identifican con ese suceso que dio lugar a varias leyendas.



https://www.futuro.cl/2023/01/ozzy-osbourne-el-dia-en-que-se-comio-un-murcielago/

https://es.rollingstone.com/ozzy-osbourne-mordio-la-cabeza-de-un-murcielago-vivo-hace-40-anos/

“Paul McCartney está muerto”: la broma que dio vida a una teoría conspirativa llena de “pistas” que sigue vigente

Lo que empezó como una broma, como un artículo satírico en una revista universitaria y como una llamada de un trasnochado a un programa radial de madrugada, terminó convertida en una de las teorías conspirativas más famosas de la segunda mitad del siglo XX.

No hay pruebas contundentes que hagan dudar al convencido. Están quienes prefieren pensar que eso sucedió y que desde hace más de cincuenta años se despliega una trama de mentiras, encubrimiento y falsedades para no revelar la verdad impactante: Paul McCartney está muerto. Sin importar lo inverosímil de la cuestión.

La portada de Abbey Road, una canción que se pasa para atrás, una referencia en el sobre interno de un disco, una foto descentrada, alguien descalzo. Cualquier elemento puede servir de pista, de indicio dejado a propósito por los pocos que saben la verdad, para que aquellos que saben mirar, para que los iniciados conozcan los hechos reales. Los demás, los ingenuos y crédulos, viviremos sumergidos en la mentira.

En la madrugada del 12 de octubre de 1969, Russ Gibb, el conductor de un programa radial en una FM de Michigan, entre canción y canción, conversaba al aire con oyentes. Entre los que llamaban había, como siempre, de todo. Solitarios, los que pedían algún tema, los que buscaban fama, los que querían dedicarle una canción a la persona que amaban y hasta gente que no estaba bien.

-Hola, ¿Quién habla?- preguntó

El oyente no se identificó. El locutor insistió.

-Tom- dijo el otro de mala gana.

Su voz era rugosa y adormecida. Urgido y solemne, escupió:

- “Paul está muerto”- dijo.

Hubo un silencio. Tom, o cómo se llamara, repitió: “Paul McCartney está muerto”. En el estudio se escuchó una risa. Una risa incómoda.

- “Poné Revolution 9 al revés y en la parte que John repite number nine, vas a ver que dice con claridad Turn me on, dead man (Enciéndeme, hombre muerto)”- conminó al DJ radiofónico.

Dos días después en un diario universitario, The Michigan Daily, un estudiante que esa madrugada, desvelado, escuchaba a Russ Gibb, urdió una larga nota en la que enmarcaba esa afirmación, imaginó las condiciones en las que eso sería verdad y la firmó como Fred LaBour. El titular impactaba “La muerte de McCartney: Nueva evidencia sale a la luz”.

El artículo sostenía que Paul había muerto en un accidente de autos en la madrugada del 9 de noviembre del 66 después de salir enojado del estudio de grabación. En el camino había subido a una chica que hacía dedo para acercarla a su casa. Ella recién cuando el auto se puso en marcha se dio cuenta quién era el conductor y se abalanzó emocionada sobre él. Esto habría hecho que Paul perdiera el control y el Aston Martin terminara debajo de un camión. El Beatle terminó decapitado.

El hecho causó una lógica conmoción en el grupo. George Martin convocó a una reunión secreta. Sólo eran cinco. El productor, los tres Beatles sobrevivientes y Brian Epstein, su manager. Decidieron seguir adelante. Pero siendo otra vez cuatro. Paul seguiría con ellos. Lo reemplazarían pero nadie debía darse cuenta de ello. No informarían de la muerte de su compañero. Organizaron un concurso de dobles de Paul que ganó un señor llamado William Campbell (al que algunos también le agregan un segundo apellido, Shears, de dónde surgiría Billy Shears, mencionado en Sargent Pepper).

Este hombre no sólo tenía una cara como la de Paul -parecido que se extremó con algunas cirugías estéticas-, su voz también era similar aunque algunos dicen que a partir de la grabación de Lady Madonna se nota el cambio de cantante.

De pronto, surgió un obstáculo en ese plan. Brian Epstein se arrepiente y amenaza confesar el engaño. Alguien solucionó el tema: el manager aparece muerto. Una supuesta sobredosis. Luego el artículo de LaBour develaba pequeñas pistas que los de Liverpool habían dejado sembradas en sus canciones y discos para que alguien atara cabos, para no mentir tanto; otros atribuyen esto a una variante más elaborada: que todo fue idea del MI5 (el servicio secreto británico) y que los tres Beatles sobrevivientes no pudieron negarse pero sí plantar indicios para ser descubiertos.

Lo que al autor, al editor y a los primeros lectores les pareció evidente, a otros no. La publicación tenía un evidente tono satírico. No tenía más ambición que la de ser un chiste elaborado, eso sí, y nacido de una situación bizarra en una radio local. Sin embargo, la nota (o su contenido) se propagó con facilidad: bastó con un puñado de lectores que la leyeron literalmente. Circuló como lo hacían las noticias en esos tiempos. Lenta pero firmemente, sin que se pusiera en duda la verosimilitud de lo dicho. El argumento de autoridad: si lo decían los diarios debía haber sucedido. La fuente se olvidó. Y la historia se fue repitiendo.

Tal fue el revuelo que los mismos Beatles debieron salir a desmentir la información. Ringo dijo que todo era mentira pero que importaba poco lo que él dijera porque la gente creería lo que quisiera creer. John se enojó, lo consideró ridículo.

El que peor la pasó fue Paul. Encontró merodeando e intrusando su propiedad a un periodista y a un fotógrafo de la revista Life. Peleó con ellos, hubo una agria discusión. La reconciliación se selló con un pacto. McCartney les daba una foto, con toda su familia pero aseado y ellos no utilizaban las fotos robadas y se iban de su propiedad. La tapa de Life mostraba en blanco y negro a la familia McCartney en pleno en un paisaje campestre. Paul con el hastío instalado en su cara, a Linda y a sus dos hijos. El título era: “Paul todavía está con nosotros”. En una solapa externa que agregan varias revistas norteamericanas a modo de sumario reducido, la referencia a la supuesta muerte también se hacía presente: “McCartney: Los hechos detrás de la muerte que no fue”.

Paul, parafraseando a Mark Twain, pudo haber dicho que la noticia era cierta sólo que algo prematura. Se mostró sorprendido y no pudo disimular que toda la situación le parecía ridícula. En cierto punto lo interpretó como una extorsión porque durante años hizo apariciones semanales en la prensa y en el momento que decidió recluirse se vio obligado a volver a aparecer para aclarar esta situación. “Los rumores sobre mi muerte han sido algo exagerados- dijo con humor-. De todas maneras si estuviera muerto, sería el último en saberlo”.

Un rumor, argumentaciones endebles y ridículas para sostenerlo, una desmentida contundente e inmediata, pruebas fotográficas. Asunto zanjado. O eso debería haber sucedido. Muy por el contrario, la versión siguió corriendo y engordando. Se generó la duda en muchas personas. Y, de esa modo, la muerte de Paul, el famoso Paul is dead, mutó de broma a teoría conspirativa.

Y como todas las de su especie, se invirtió la carga de la prueba: Paul debía probar lo que nunca pensó que le sería exigido: que estaba vivo.

Antes del llamado telefónico al programa de radio de Michigan se encuentra un antecedente de la versión. El 17 septiembre de 1969 se publicó en el diario de la Universidad de Drake de Iowa una nota de alguien llamado Tim Harper. Hay quienes sostienen que hay una versión anterior del rumor que recorrió, tenuemente, sin llegar a demasiadas personas, en Inglaterra.

El hecho, el accidente automovilístico, tenía un antecedente real.

A fines de diciembre del 66 Paul chocó con su automóvil. Como resultado le quedó un diente partido, una ligera cicatriz sobre el labio superior y una estadía en el mecánico para arreglar las abolladuras del vehículo. El 7 de enero de 1967, un asistente del Beatle, el marroquí Mohammed Hadjij chocó el Minicooper de Paul y lo destrozó. Hadjij no sufrió lesiones de gravedad. La foto del auto destruido tuvo alguna difusión. Paul no iba en ese auto, sino en el de atrás con dos célebres compañeros, Mick Jagger y Keith Richards.

Una revista que hacía un reporte pormenorizado de las actividades de los de Liverpool, una especie de órgano de club de fans llamada Beatles Book Monthly publicó en su número de febrero de 1967 un recuadro titulado “Falso Rumor”. Consignaba que la mañana del 7 enero se había producido un accidente con el auto de Paul pero que él no iba dentro y que nadie había resultado herido.

Las pistas dejadas por los otros tres y por George Martin en las canciones, según quienes creen en esta teoría conspirativa, son múltiples y evidentes. En realidad, cada verso oscuro o poco claro, cada juego de palabras, cada referencia a la muerte o a una fuerza superior, es interpretada como señal de que Paul se encuentra muerto. Por ejemplo afirman que al final de Strawberry Fields Forever, John canta “I buried Paul” (Enterré a Paul). Sin embargo, parece que la línea correcta es “Cranberry sauce” (salsa de arándano). Pero no sólo hay que buscar huellas en las letras. La parte gráfica de los discos también es terminante. En la tapa de Sargent Pepper creen hallar casi una decena de referencias. El bajo hecho con flores -en realidad homenaje al fallecido Stu Sutcliffe-, en una mano que sobrevuela la cabeza de Paul, un Aston Martin de juguete, una insignia que lleva el bajista en su pecho que no dice lo que los conspiranoicos afirman y varias más.

También hay rastros dejados adrede en el libro que iba en el interior de Magical Mistery Tour. Casi uno por página creen los que prefieren creer. Cada foto en la que un Beatle, en especial Paul, mira para otro lado o está de espaldas se considera semiplena prueba de la muerte prematura del bajista.

Alguien también esgrimió que existe un estudio antropométrico realizado por dos universitarios que determinó sin lugar a dudas que la cara y la cabeza de Paul en 1966 y los de 1967 no corresponden a la misma persona. Es una lástima que sólo conozcamos esa conclusión pero no cómo se arribó a ella ni los antecedentes de los pretendidos expertos.

Pero sin dudas el punto máximo de toda esta elucubración es la tapa de Abbey Road. En ella los cuatro cruzan por la cebra peatonal. Paul es el único descalzo. Eso que tuvo origen en el calor reinante al momento de sacar la foto y en una broma medio boba de Paul se convirtió en el principal argumento para sostener que se encontraba muerto: a los cadáveres se los entierra descalzos. La vestimenta de los demás y el orden de aparición serían otros datos irrefutables. Cada uno cumple un rol específico: Lennon, delante de todos y de prístino blanco, sería el sacerdote, el celebrante, o el mismísimo Dios; Ringo, de negro, el de la funeraria; Paul, descalzo, con los ojos cerrados y un cigarrillo en la mano (en la mano ¡DERECHA!, y todos sabemos que es/era zurdo) el muerto; y George con camisa y pantalón de jean, el enterrador, el que cava la tumba. Por detrás un auto estacionado con una chapa que dice IF28. Es decir, Si 28. Lo que significa: Si Paul viviera, tendría 28 años. Esto se esgrimió como gran dato, como elemento incontrastable durante años, sin que se tuviera en cuenta que al momento de la foto y al momento de la publicación del disco, Paul tenía 27 y no 28.

Pero los datos, las pruebas por sencillas y esclarecedoras que sean no interesan demasiado en estas circunstancias. Siempre es preferible creer en la conspiración.



https://www.infobae.com/historias/2023/09/23/paul-mccartney-esta-muerto-la-broma-que-dio-vida-a-una-teoria-conspirativa-llena-de-pistas-que-sigue-vigente/

El enfrentamiento entre Freddie Mercury y Syd Vicious: "Freddie, ¿ya has logrado llevar el ballet a las masas?

Queen y los Sex Pistol coincidieron en los estudios de grabación Wessex Sound a finales del verano de 1977. Los grupos trabajaban en estudios separados, pero eso no impidió que Freddie Mercury y Sid Vicious iniciaran una breve rivalidad.

Un día estaba estaba Mercury en la sala de control cuando de repente entró Syd gritando: "¡Oye Freddie!, ¿ya has logrado llevar el ballet a las masas?".

La pregunta de Vicious hacía referencia a una entrevista reciente de NME en la que Mercury había expresado su amor por el ballet. Al líder de Queen no le hizo gracia la ocurrencia del bajista.

La respuesta no pudo se más propia del vocalista de Queen: "¡Ah, Simon Ferocious!"Lo estamos intentando querido, lo estamos intentando". Y acto seguido tomó a Vicious de las solapas y lo lo empujó fuera de la sala.


https://mariskalrock.com/actualidad/cuando-freddie-mercury-queen-conocio-a-sid-vicious-sex-pistols-freddie-ya-has-logrado-llevar-el-ballet-a-las-masas/

Cuando Metallica sacó de sus filas a Dave Mustaine y dio vida a Megadeth

Dave Mustaine, creador de Megadeth, es uno de los guitarristas más icónicos del thrash metal. El también vocalista inició su carrera en Metallica, en donde estuvo hasta 1983. Durante su estancia en la agrupación, el músico contribuyó a la composición de temas como ‘The Four Horsemen’, ‘Jump in the Fire’, Ride the Lughthing’ y ‘Leper Mesiah’, que se convirtieron en clásicos del género.

El talento de Mustaine contribuyeron a dar forma al sonido de thrash metal. Sin embargo, su comportamiento errático, que estaba principalmente relacionado con el abuso del alcohol y drogas, generó tensión con los otros integrantes de Metallica.

El alcohol, aquel amigo líquido habitual de las figuras de rock, solía acompañar a los de Metallica, a todos, pero en el caso de Dave Mustaine era diferente. El guitarrista se transformaba. La más mínima provocación era motivo de pelea. "Cuando estás alrededor de gente a la que le gusta beber y hace tonterías, solo quieren divertirse. Yo bebía y me divertía hasta que alguien me refutaba algo que había dicho. Y luego, eso significaba la guerra, cariño. Era agresivo y confrontacional porque era un ebrio violento. Perdía todas las inhibiciones cuando bebía, y eso no funcionó muy bien", dijo Mustaine.

Durante 11 meses Mustaine fue el guitarrista y más violento miembro de Metallica, pero la formación cambió nuevamente la mañana de abril de 1983. A las 9 am, James Hetfield, Lars Ulrich y Cliff Burton fueron a despertar a Dave Mustaine para informarle su expulsión de la banda. Intentando pasar con horas de sueño la borrachera de la noche anterior, el músico luchaba por abrir los ojos mientras tomaba noción de lo que estaba ocurriendo. "Lo que realmente me entristeció fue que nunca tuve una advertencia y nunca tuve una segunda oportunidad. Solo me dijeron 'Oye, estás fuera. Nos vemos pronto'", detalló el hombre de "Symphony of Destruction".

La expulsión fue inmediata. Kirk Hammet ya había sido contratado como nuevo guitarrista y solo faltaba que Mustaine tomara sus cosas y abandonara el edificio en Queens que los alojaba.

Con rumbo a California, Mustaine subió a un automóvil conducido por Hetfield, quien lo dejó en la estación de buses ubicada en Nueva York a la espera de un viaje de más de 40 horas hasta su hogar. Sin un solo dólar en su bolsillo, y con sus ex compañeros de banda grabando el debut Kill 'Em All, Mustaine estaba decidido a responder.

Inspirado por la marihuana que acompañó su viaje, tomó un folleto político y comenzó a escribir. La propaganda se refería al uso de armas nucleares y destacaba la frase "The arsenal of megadeath can't be rid of".

"Megadeath", unidad de medida que indica un millón de muertes humanas, fue elegida por Dave Mustaine para bautizar su nuevo proyecto. Quitando solo una letra, decidió que Megadeth sería el nombre para superar a su ex banda.

"Mi medida de éxito fue si comí ese día o no, y mi visión fue destruir a Metallica y dejar de vivir en una furgoneta. Lo bueno fue que superé mi malestar por abandonar la banda. Me alegro de habernos reconciliado", comentó Mustaine.

Megadeth comenzó a existir el mismo año en que Mustaine fue despedido de Metallica, y poco a poco se abrió camino como parte de los "Big 4", las cuatro grandes bandas del thrash metal: Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax.


https://www.radioacktiva.com/2024/por-borracho-la-razon-por-la-que-expulsaron-a-dave-mustaine-de-metallica-y-creo-megadeth-341395.html

https://www.latercera.com/culto/2019/06/17/dave-mustaine-metallica/

Jim Morrison, primer músico de rock arrestado arriba del escenario

El 9 de diciembre de 1967 Jim Morrison se convirtió en el primer músico de rock en ser arrestado arriba del escenario, antes del recital que daría The Doors en New Haven, Connecticut, una pareja se encontraba teniendo un momento de intimidad detrás del escenario. Un policía se acercó y les informó que no podían estar allí. El joven le respondió de mala manera, tal vez con alguna obscenidad y se tensaron en una discusión. El policía reaccionó lanzándole gas pimienta a los ojos.

–Este es un lugar destinado a The Doors –dijo.

–Yo soy The Doors  –respondió el joven, que no era otro que el cantante de la banda.

Al parecer, luego del incidente, el policía lo reconoció y le pidió disculpas. A juzgar por lo que vino después, podría dudarse de esta versión.

Luego  de unos cuantos temas, el cantante contó al público lo sucedido en camarines y señaló al agente que lo había agredido. Podemos imaginar al público abucheando. Morrison insistió y al instante lo rodearon varios policías que lo hicieron bajar del escenario y se lo llevaron detenido. Se dice que detrás de escena recibió varios golpes.

No podemos negar que “Mr. Mojo” fue un gran artista. Sus letras y su música identificaron a toda una generación.


https://deinconscientes.com/jim-morrison-primer-musico-de-rock-en-ser-arrestado-arriba-del-escenario/

El Club de los 27: Un Legado de Rock y Tragedia

El mundo del rock ha sido testigo de innumerables talentos que han dejado una huella imborrable en la música, pero pocos fenómenos son tan intrigantes y trágicos como el llamado "Club de los 27". Este término se refiere a un grupo de icónicas figuras del rock y otros géneros que fallecieron a la edad de 27 años, dejando un legado que sigue resonando en la cultura popular.

Desde Jimi Hendrix y Janis Joplin hasta Jim Morrison y Kurt Cobain, estos artistas no solo revolucionaron la música, sino que también vivieron vidas intensas y tumultuosas. Cada uno de ellos, con su estilo único y su voz inconfundible, capturó la esencia de una generación, pero también se vio atrapado en las sombras de la fama, la adicción y la presión.

La historia del Club de los 27 nos invita a reflexionar sobre el precio de la fama y el costo emocional que a menudo acompaña a la creatividad. A pesar de su corta vida, estos músicos lograron crear obras maestras que continúan inspirando a nuevas generaciones. Canciones que hablan de amor, dolor, libertad y rebelión, resonando en los corazones de quienes las escuchan.

Hoy, recordamos a estos artistas no solo por su trágico final, sino por el impacto duradero que han tenido en la música y la cultura. Su legado nos recuerda que, aunque la vida puede ser efímera, el arte tiene el poder de trascender el tiempo. Así que, levantemos nuestras guitarras y brindemos por aquellos que, aunque se fueron demasiado pronto, nos dejaron un mundo lleno de melodías y recuerdos.

Es una casualidad o una maldición lo de los 27?

Tomb escribió:Es una casualidad o una maldición lo de los 27?

Casualidad o maldición, no lo sé, pero definitivamente es un recordatorio de que la vida puede ser un poco impredecible. ¡Así que brindemos por los que están aquí y disfrutemos cada año que pasamos!

The Beatles: La historia de cómo conocieron a Bob Dylan

Fue en 1964 -en el hotel neoyorquino Delmonico- que uno de los cantautores más grandes del momento y la banda británica -que llegaba a los Estados Unidos por primera vez-, se encontraron por primera vez.  Allí, Bob invitó a los cuatro de Liverpool a fumar marihuana, pensando que era una práctica habitual para ellos ya que encontró una referencia en la canción “I Wanna Hold Your Hand” pensando que el estribillo decía “I get high”. Lo cierto es que la letra de la canción dice “I can’t hide” y The Beatles nunca habían probado la marihuana, pero decidieron esconder este dato y compartir unos cigarrillos canábicos con su ídolo.

Pasado un rato todos se estaban comportando de manera algo extraña, sobre todo Paul McCartney, que juraba haber encontrado el sentido de la vida y pidió papel y lápiz de manera urgente para escribirlo y guardar lo que él pensaba que era un tesoro. Luego de que su manager de gira encontrara dónde anotar, el beatle le pidió que lo guardara como si se tratara de algo sumamente importante. Al día siguiente, miró aquel papel y había escrito “hay siete niveles”. Mientras, Ringo Starr reía como loco, tal como lo recordó años después, diciendo que fue una noche fabulosa.

Recordando aquel momento, George Harrison reveló que se pasaban escuchando los álbumes de Dylan una y otra vez, algo que en John Lennon tendría una clara influencia en su forma de hacer canciones como “Norwegian Wood” o “You’ve Got to Hide Your Love Away”.

https://indiehoy.com/noticias/the-beatles-la-historia-de-como-conocieron-a-bob-dylan/

The Dark Side of the Rainbow: qué pasa si se combina el álbum de Pink Floyd con la película El mago de Oz

Una de las leyendas más comentadas en redes sociales afirma que, al sincronizar el álbum The Dark Side of the Moon de Pink Floyd con la película El Mago de Oz, las imágenes y la música se alinean de manera sorprendente. Este fenómeno, conocido como The Dark Side of the Rainbow, sigue despertando curiosidad entre los fanáticos de la banda y del cine.

https://www.airedesantafe.com.ar/ocio/the-dark-side-of-the-rainbow-que-pasa-si-se-combina-el-album-pink-floyd-la-pelicula-el-mago-oz-n597044

David Bowie y cómo creó y destruyó a Ziggy Stardust

El alter-ego de uno de los músicos más emblemáticos del mundo nació en 1972 y desapareció del mapa un año después.

hay y probablemente nunca tendremos a alguien como David Bowie, un músico con un talento difícil de describir, creativo, extravagante y arriesgado que decía haber bajado a la Tierra desde el espacio y que predijo su muerte con un último álbum de despedida para cerrar con broche de oro una de las carreras más emblemáticas, épicas y brillantes en la historia de la música.

En los años 70, David Bowie estaba buscando la forma de irrumpir en la escena musical y hacer una entrada triunfal que nadie pudiera ignorar, fue así como se transformó en una figura extravagante y retadora llamada Ziggy Stardust, quien anunció la llegada del británico y su intención de convertirse en un músico más grande que la vida que no se ajustaba a los géneros y no se dejaba definir por las reglas del mundo.


Con Ziggy Stardust, Bowie, The Thin White Duke, se convirtió en una leyenda y comenzó un proceso que lo llevará a tener varias transformaciones y etapas. Pero la carrera de Ziggy no duró mucho, y tal vez no podía hacerlo, llegó como un cubetazo de agua fría para despertar a los fanáticos de la música, y desapareció justo cuando el mundo comenzaba a entenderlo, aunque siguió marcando la carrera de Bowie hasta su muerte en 2016, dos días después de su cumpleaños 69.

"Lo que hice con mi Ziggy Stardust fue empaquetar un cantante de rock 'n' roll plástico totalmente creíble, mucho mejor de lo que los Monkees jamás podrían fabricar", dijo Bowie a Rolling Stone sobre el rockstar alienígena que creó. “Quiero decir, mi rock & roller de plástico era mucho más plástico que el de nadie. Y eso era lo que se necesitaba en ese momento".

Ziggy apareció por primera vez en 1972 con el lanzamiento del quinto álbum de estudio del británico, llamado The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, y se trataba de un músico bisexual de otro planeta que había sido enviado a la Tierra como un mensajero que buscaba brindar esperanza antes de un evento apocalíptico que lo destruiría todo, pero termina siendo seducido por la fama y el poder y finalmente muere en la última parte del álbum.
Pero ¿de dónde salió el ídolo musical extraterrestre? Bowie se inspiró en muchas cosas para crearlo y en una entrevista de 1996 con la BBC dijo que el legendario cantante Vince Taylor había sido una de las fuentes de inspiración para crear al personaje. Vince y Bowie se conocieron en los años 60 en Londres, donde Taylor supuestamente le habló sobre sus ideas de Jesucristo y los extraterrestres, lo que le dio la idea de convertirlo un alienígena, tomando características de otras leyendas como Lou Reed, Marc Bolan e Iggy Pop.

“Supongo que un cierto contingente de músicos en Londres a principios de los 70 estaban hartos de la mezclilla y los hippies. Y creo que queríamos ir a otro lugar. Y algunos de nosotros probablemente leímos demasiado a George Steiner y tuvimos la idea de que estábamos entrando en este tipo de era post-cultural y que sería mejor que hiciéramos algo posmodernista antes de que alguien más lo hiciera", dijo Bowie.


https://www.gq.com.mx/entretenimiento/articulo/david-bowie-como-creo-a-ziggy-stardust

El legado de Velvet Underground & Nico: Un hito en la historia del rock

Publicado en 1967, "Velvet Underground & Nico" es considerado uno de los discos más influyentes en la historia del rock, a pesar de su recepción inicial tibia. La banda, liderada por Lou Reed y con la colaboración visual de Andy Warhol, rompió con las convenciones de la época, fusionando rock, arte y poesía en un cóctel sonoro que desafiaba las normas sociales y musicales.

Desde el primer acorde de "Sunday Morning" hasta la provocativa "Heroin", el álbum se adentra en temáticas oscuras como la adicción, el amor y la vida urbana. Su sonido crudo y experimental, que incorpora elementos del garage rock y el avant-garde, dejó una huella indeleble en generaciones de músicos. Canciones como "I'm Waiting for the Man" y "All Tomorrow's Parties" se convirtieron en himnos para una contracultura en búsqueda de autenticidad.

A pesar de su escasa comercialidad en su lanzamiento, el disco ganó estatus de culto y ha influido en una amplia gama de géneros, desde el punk hasta el indie rock. Su estética innovadora y su enfoque lírico siguen resonando en la música contemporánea, demostrando que el Velvet Underground & Nico no solo fue un producto de su tiempo, sino un precursor de lo que el rock podría llegar a ser.

CBGB: El epicentro del punk rock y su legado en la historia musical

Ubicado en el corazón del Lower East Side, CBGB (Country, Bluegrass, and Blues) abrió sus puertas en 1973 y rápidamente se convirtió en el epicentro de la escena punk y new wave. Este pequeño y destartalado club se convirtió en el hogar de músicos y bandas que buscaban un espacio para expresarse libremente y romper con los estándares establecidos.

CBGB fue el escenario de actuaciones legendarias que definieron la historia del rock. Bandas como Ramones, Blondie, Talking Heads y Patti Smith encontraron en este club un lugar donde derramar su energía cruda y autenticidad. La música vibraba en cada rincón del local, y el espíritu rebelde y DIY (hazlo tú mismo) estaba en el aire. La audiencia se mezclaba con los artistas, creando una conexión única y una atmósfera de camaradería.

Bandas icónicas como Ramones, Blondie, Talking Heads y Patti Smith fueron algunas de las pioneras en dar forma al sonido y la actitud punk que caracterizó al club. Ramones, conocidos por sus riffs rápidos y letras enérgicas, se convirtieron en una fuerza impulsora detrás del punk rock en los Estados Unidos. Blondie, liderada por la carismática Debbie Harry, fusionó el punk con el new wave y el pop, creando un sonido distintivo y canciones inolvidables como «Heart of Glass» y «Call Me».

Además de estas bandas emblemáticas, CBGB también fue escenario de actuaciones de otros artistas destacados como Television, The Dead Boys, Richard Hell and the Voidoids, y muchas más. Cada una de estas bandas dejó su propia marca en la historia musical, contribuyendo a la vibrante escena musical y al espíritu rebelde que define a CBGB.

La importancia de CBGB va más allá de las actuaciones en vivo. Este club se convirtió en un semillero de talento y en un catalizador para el movimiento punk. Fue una plataforma donde los músicos podían experimentar, crear su propio sonido y desafiar las normas establecidas. La actitud punk y la libertad de expresión encontraron en CBGB un hogar, y su legado perdura en la música hasta el día de hoy.

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