Un pequeño viaje a través del Rock Progresivo

Cuando cambié de morada foril me hice de unas decenas de maletas para empacar lo más posible, no todo se pudo, algunas partes de mi corazón quedaron allá, pero dentro de las cosas que sí pude traer fué mi "cumbancha voladora", este armatoste que, aunque medio desvielado y con los faros señalando para distinto rumbo, todavía funciona, así que con él vamos a realizar un pequeño viaje a través del mundo del Rock Progresivo.

Así que, tomen asiento, abróchense los cinturones y... ¡¡¡¡Comenzamos a despeguaaaaaarrrrrr!!!!

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El esperanto es una lengua artificial que ha sido inventada con el fin de ser la lengua para poder comunicarse entre todo el mundo. Al pasar de los años, en realidad ha avanzado muy poco. Sin embargo, en este viaje a través del progresivo es l que menos nos interesa. ¿Entonces, para qué ocupamos a nuestro Dispositivo de Movilidad Virtual y el esperanto?
 
Esperanto es una banda de rock progresivo que nació en 1973 bajo la guía del violinista Raymond Vincent. ¿De qué nacionalidad es esta banda? Realmente no lo podemos decir, porque todos los miembros que la han conformado son originarios de diversos países. Pero esta situación no es por azar, sino planeada para que, esa diversidad cultural se involucre en la creación de la banda. Vamos, que el nombre les queda bien.
 
Su historia es corta, pero de mucho interés para los que gustamos del progresivo. Solo alcanzó a grabar 3 álbumes, pero en ellos se descargó toda su creatividad y singularidad. Un ejemplo es que esta banda careció de guitarra, sustituida en su totalidad por los teclados de Bruno Libert. No se echa de menos la falta de este instrumento.
 
Con solo tres trabajos: Esperanto Rock Orchestra de 1973, Dance Macabre de 1974 y Last Tango en 1975, Esperanto queda grabado en la memoria de la historia del progresivo.
 
Last Tango, su último álbum consta de seis tracks con lo que nos sorprenden con sonidos progresivos innovadores, donde hay un constante diálogo entre el violín de Raymond Vincent y el segundo violón de Godfrey Salmon interviniendo en entre ellos el violoncello de Timothy Kraemer, en otras ocasiones el liderazgo de la melodía recae en los teclados de Bruno Libert. Para ello encuentran un gran apoyo en el bajo y la batería de Gino y Tony Malisan. Para esta ocasión cuentan con las voces de Kim Moore y Roger Meakin, siendo la primera, a la que a mi gusto, se lleva los aplausos.
 
La obra consta de 6 tracks, de los cuales son tres los que más me llaman la atención y recomiendo, aunque pueden escuchar todo porque es una genialidad este disco.
 
Eleanor Rigby es la primera. Sí, como han supuesto, es un cover de la canción de The Beatles, pero en este caso no es solo tocar la misma canción con pocas variantes de tiempos o de estilos, es un tomar la canción y moldearla para crear una nueva estructura musical, alargarla introduciendo nuevos sonidos, nuevas orquestaciones, para ello inician con los teclados, el bajo y la batería en una larga intro de casi minuto y medio y es cuando las cuerdas hacen su aparición. Es hasta después de estos acordes totalmente progresivo que comienza la parte vocal. Muy a diferencia de la canción original, aquí la parte instrumental tiene sin duda un papel protagónico llenando de teclado y cuerdas todo espacio sonoro complementado a la perfección por el bajo y la batería de los hermanos Malisan. La parte vocal es interpretada con un juego de voces, a veces femenina, a veces andrógina, en ocasiones las dos al unísono. Para ir terminando esta obra, recurren a una sección instrumental donde las cuerdas llevan la primera voz teniendo detrás de ella vocalizaciones enigmáticas que provocan una grata impresión, posteriormente da entrada los teclados con una velocidad y una fuerza impresionantes encaminándonos al final con la parte coral de la canción. Sin lugar a dudas no es lo que esperábamos al ver el nombre de la canción, pero encontramos algo sorprendente, novedoso y fascinante.
 
Las otras dos canciones son The Rape y la que da nombre al disco, Last Tango. Lo impresionante de The Rape es la orquestación que gira alrededor de la canción. Cuando los instrumentos toman el protagonismo principal es un vaivén de sonidos y compases que lo llenan todo, de pronto encontramos sonidos nuevos, cambios de ritmos, cuando la voz es la parte principal, los instrumentos se acomodan alrededor de ella para hacernos saber de su importante presencia. Para colmo del deleite, cuando parece que termina la canción, llega un final impresionante con un crescendo continuo, donde poco a poco van entrando los instrumentos, incluso la parte vocal, llenando cada espacio, cada rincón y exacerbando nuestras emociones con ese agrandamiento de fuerza y velocidad del sonido. Sin duda impresionante la canción.
 
Last Tango sin lugar a dudas no tiene los rasgos interesantes de las dos canciones anteriormente reseñadas, pero es interesante escuchar un tango a ritmo de progresivo.
 
¡Qué esperamos, a disfrutar de Esperanto!

Last Tango
 
 

Eleonor Rigby



The Rape

Emerson Lake & Palmer - Hoedown

Hoedown pertenece al album Trilogy de esta banda mítica en el rock progresivo, Emerson, Lake and Palmer. Este supergrupo se creó a partir de la reunión de tres músicos que ya habían tenido cierta trayectoria dentro del rock progresivo, y ¡qué trayectoria! Sus componentes eran:

Keith Emerson, que ya había tocado con la banda preprog The Nice y que buscando un camino propio buscó juntar otros músicos para formar su propio proyecto. Emerson era un espectáculo aparte en cada concierto por sus extravagancias, pues podía reventar sus teclados, acuchillarlo o tocar su instrumento dando piruetas por el aire. Fué un enamorado del sintetizador Moog con el que creó sus grandes composiciones. Comparto una foto de él sacada de un libro que tengo, donde se ve junto a su querido Moog.



Greg Lake: Es el bajo y voz de la banda. Anteriormente fué de los fundadores de esta otra mítica banda del progresivo, King Crimson, amigo íntimo desde la juventud de Robert Fripp con el que estudió música. Emerson se lo robó para ELP. jojo.

Carl Palmer: Era la batería del ELP. Como sus compañeros, tampoco era un improvisdo ni un novato, procedía de la banda creada por Vincent Crane, Atomic Rooster, donde ya eran viejos conocidos. El dejaría esta agrupación para unirse al ELP con el que dejaría sus mejores años para al final salir y unirse a la conocida banda Asia.

Como pueden observar, ELP tenía que terminar siendo una gran, gran banda, por la calidad de sus miembros. Este grupo produjo aproximadamente 7 albumes -perdonen si fallo la cifra pero estoy improvisando-, de los cuales los cinco primeros fueron sus mejores trabajos:

• Emerson, Lake & Palmer
  
• Tarkus
  
• Trilogy
  
• Brian Salad Surgery
  
• Works I-II
  

No crean que olvidé el Pictures at an Exhibition, otro gran disco, pero ese es un gran referente de las obras en vivo.

El album Trilogy consta de 9 temas, los cuales, en su primera parte, es decir, las primeras cuatro canciones, son de caracter en cierto sentido melancólico. Como recuerdo sentarme en aquél árbol tupido y de apariencia triste a escuchar el Trilogy o el Tarkus y esos acordes emotivos. En los siguientes cinco tracks, la banda le pone energía al asunto, logrando una parte poderosa donde Keith Emerson despliega toda la habilidad a los teclados que lo llevan a considerarlo el mejor tecladista del Rock. No tiene desperdicio este trabajo, aunque mis favoritas son: The Endless Enigms Pt I, y II, Fugue, From the Beginning, Trilogy y Abaddon's Bolero.

Pero para qué detenernos en tantas palabras y letras, mejor dejemos que el sonido del ELP llene todo espacio en su habitación (por fortuna encontré video donde están las tres primeras rolas unidas, como debe de ser):

The Endless Enigma Pt I, Fugue, The Endless Enigma Pt II



Trilogy



Desafortunadamente, tanto Greg Lake como Keith Emerson murieron en 2016, así que sirva este post como tributo para ellos.

Firth Of Fifth es una gran canción de un gran album* de Genesis. Todo encaja y suena bien: la introducción con el piano, la melodiosa voz de Gabriel y, por supuesto, el increíble solo de guitarra de Steve Hackett.

*Selling England By The Pound, de 1973. 

¡¡Jijos y recontrajijos!! Esa rola que compartiste mi buen Estocada, es lo máximo. Este disco Selling England by the Pound es una maravilla.

Me agarras descuidado, pero improvisaré un poco sobre esta banda.

La banda que crea esta maravilla de album es Genesis, precursores del progresivo con From Genesis to Revelation -su primer album- que tuvo muy pocas ventas por un hecho curioso, según la leyenda, jojo. Con eso que aparece la palabra genesis, sus discos fueron colocados en la música religiosa, jojo.

Bueno, pues esta banda de rock progresivo navega con gran soltura y liderazgo dentro de la corriente llamada rock sinfónico, que es una de las ramas principales del rock progresivo.

Esta banda tiene muchos discos dentro de su historial, pero a mi forma de ver, a la salida del gran cantante y frontman -sus actuaciones en vivo son geniales- Peter Gabriel y del guitarrista Steve Hacket, la banda dejó de andar por los caminos del progresivo y se fué orillando hacia lo comercial.

Sus mejores discos son los primeros -quitando el inicial-, por lo que en mi gusto personal, recomendaría los siguientes:

• Trespass
  
• Nursery Cryme
  
• Foxtrot
  
• Selling England by the Pound
  
• The Lamb Lies Down on Broadway
  
• A Trick of the Tail
  

Y los Live:

• Genesis Live
  
• Seconds Out
  

El disco en cuestión es el Selling England by the Pound, ya con la formación "clásica" -a mi forma de ver- de esta genial agrupación:

• Phil Collins en batería y como una segunda voz
  
• Mike Rutherford en el bajo
  
• Tony Banks en los teclados y la guitarra rítmica
  
• Steve Hacket en la guitarra líder
  
• Peter Gabriel como la voz y otros, entre ellos la flauta y performance como cuando fué Britannia.
  

Una gran alineación que envidiaría cualquier banda. Sus composiciones son complejas sin llegar a ser experimentales, pero con un virtuosismo a toda prueba. La bandera del rock sinfónico.

Para este disco tocaron 8 tracks altamente recomendables, siendo mis favoritos:

• Firth of Fifth (Ya compartido por el buen Estocada)
  
• The Cinema Show
  
• The Battle of Epping Forest
  
• Aisle of Plenty (como una segunda parte de Dancing with the Moonlit Knight)
  
  

Dejo aparte a la gran, grandísima rola Dancing With the Moolit Knight. Es una canción que me encanta tanto que he utilizado el nick de Moonlit Knight en otras plataformas. Por eso pueden observar que Tombita me llama Moon.

Pues escuchemos esta canción con el preformance del gran Peter Gabriel.

Dancing With the Moonlit Knight

¡Vaya! Nuestro amigo RyoSky nos la pone difícil, pues comparte dos canciones del mítico y prolijo grupo Jethro Tull que tiene más de 20 álbumes de estudio y otro montón de “en vivo”, pero además esas canciones vienen en dos discos distintos: la rola Aqualung pertenece al cuarto trabajo de la banda del mismo nombre, Aqualung, mientras que Bourée, -obra compuesta por Johann Sebastian Bach- proviene del segundo acetato de la banda, Stand Up.

Sabiendo esto, por este momento nos concentraremos en este último álbum, el Stand Up, pero antes una pequeñísima introducción a la banda.

Jethro Tull se creó en Inglaterra, más específicamente en Blackpool, donde un enigmático y peculiar músico llamado Ian Anderson reunió a otros 3 músicos para crear la banda. El nombre de la agrupación lo tomaron de un agrónomo nacido en el S. XVII llamado así, Jethro Tull, jojo. Quién diría que su nombre sería tan famoso debido a una banda de rock y no por su trabajo en la agronomía. El caso es que su nombre es conocido por miles y miles, así como la flauta de Ian Anderson. Con él se introdujo este instrumento en el rock y además, ese estilo tan peculiar de tocar dicho instrumento influenció a muchos músicos del progresivo y que en futuros viajes escucharemos y notaran con facilidad esa influencia tan grande que el orate de Ian creó.

Lo cierto es que ya tenían a tres músicos más para iniciar su odisea: Mick Abrahams en las guitarras, Clive Bunker en la batería y rascándole al bajo Glenn Cornick, todos músicos diestros en su área. Su primer aventura se llamó This Was, un álbum medio extraño para la época, desde las vestimentas que portaban para la portada, donde no seguían moda alguna, ni psicodelia ni hippie, y una música entre mezcla de rock, blues y jazz, adicionada con esa flauta que llamaba mucho la atención. El caso es que toda esa mezcla de elementos extraños e innovadores llamaron la atención y lograron posicionar de alguna manera su nombre en la juventud del lejano 1968.

El siguiente episodio de su odisea se llama Stand Up, para lo cual el inquieto Ian Anderson hace un giro dentro del estilo de la música del grupo, se alejan del Blues, situación que no agrada al guitarrista Mick Abrahams y poco tiempo antes de iniciar las grabaciones del Stand Up, decide dejar a la banda. Nervioso ante la situación, Ian Anderson recuerda que en algunos conciertos que ofrecieron en un club especializado en Blues llamado The Van Dyke, fueron teloneados por un grupo llamado Gethsemane, donde tocaba un guitarrista singular, prodigioso, llamado Martin Barre al que llegó a conocer. Raudo, Ian lo llama para unirlo a su proyecto y Martin acepta. Se acababa de escribir una historia que duraría prácticamente toda la vida, pues este dúo estaría junto durante todos los álbumes oficiales del conjunto. Vaya, un capricho de Mick Abrahams consolidó uno de los dúos más duraderos e icónicos del Rock.

Ya con esta nueva formación, se lanzan a los estudios para grabar el famoso Stand Up, donde mostrarían al mundo el nuevo camino que habría de tomar Jethro Tull, donde se alejaría de poco a poco del blues para hacer una fusión de folk,  rock, jazz y barroco, donde la guitarra y la flauta comandarían a la música del grupo. Comienza el mito.

Este álbum consta de 10 tracks, donde podemos encontrar cosas interesantes y magníficas en ellos:

• A New Day Yesterday
• Jeffrey Goes to Leicester Square
• Bourée
• Back to de Family
• Look into the Sun
• Nothing is Easy
• Fat Man
• We  Used to Know
• Reasons for Waiting
• For a Thousand Mothers

En la primer rola, A New Day Yesterday, nos comienza mostrando ese alejamiento de la banda a su anterior trabajo, donde el bajeo y la batería son dignas de ese nuevo metal que nos enseñaría Tommy Iommi con Black Sabbath. ¡Qué gran trabajo! Ian nos da muestras de cómo esa flauta se entromete en el rock creando un ambiente sensacional de placentera dicha en el escucha.

Jeffrey Goes to Leicester Squire muestra el rostro melodioso de la banda, donde la voz principal de la flauta conduce a la melodía hacia terrenos de las armonías dulces. Una canción corta pero digna de ser escuchada.

Bourée comienza rompiendo paradigmas musicales. Toda la arquitectura de la pieza recae en la flauta, un instrumento que es recién nuevo en el rock como para tomar un papel tan protagónico. El segundo paradigma destrozado es que el buen Johann Sebastian Bach compuso esta pieza para ser tocada en laúd, no en instrumento de viento, sin embargo el innovador Ian Anderson la inmortalizó en el rock progresivo como uno de sus primeros clásicos con flauta.

Back to the Family es de esas canciones de “relleno”, para completar la lista de tracks que debe llevar un álbum, pero ¡carájos! De esos rellenos queremos en todos los discos, bien trabajados, agradables de escuchar, con cambios de ritmo que hacen más interesante la escucha. Cuando Barre y Anderson se ponen a dialogar con sus instrumentos, es otra cosa, solo escuchen ese fantástico final que se crean ambos.

En el acetato, la melodía Look into the Sun cierra el lado B. ¡Aaayyy para los nostálgicos del acetato como yo! Es una melodía bella, tranquila, tirada más hacia los campos del folk y el barroco. Como un final tranquilo para ese lado A.

Vamos disfrutando el álbum con puro gozo, ya le dimos la vuelta al lado B del acetato y nos encontramos con Nothing is Easy, una pieza que está escrita dentro del terreno total del progresivo. Rock con estructuras cambiantes, donde si buscamos melodías fáciles nos es imposible encontrar puesto que son complejas y cambiantes, ritmos que varían a cada momento, a veces la flauta, a veces la guitarra son los líderes, pero el bajo y la batería no desmerecen, dignos acompañantes de los líderes. ¡Nos encontramos dentro del terreno del progresivo en su totalidad! Vamos, es para escuchar una y otra vez.

Bueno, también Clive Bunker tiene su corazoncito y buscar destacar y así lo hace con Fat Man, una rola al puro estilo folk que el Jethro Tull sabe apovechar y las percusiones destacan. La melodía es pegajosa, el clima tranquilo y sereno.

Vamos a otro duelo de Barre y Anderson, con sonido bastante rockero y donde el mismo Barre nos dice que olvidemos a Abrahams, que el sonido de la guitarra en Jethro Tull solo lleva su nombre. Los riffs y los solos llevan su marca. Una muy, muy lograda canción donde el bajo y la batería muestran toda su precisión en los tiempos y el ritmo. Me encanta esta melodía We Used to Know.

En Reason for Waiting le bajan a la intensidad rockera con un bello intro de guitarra y flauta. La melodía se desarrolla en una calma y tranquilidad con belleza estética. La flauta acarícia los oídos y la guitarra acústica le da soporte.

Para cerrar este maravilloso trabajo tenemos a For a Thousand Mothers, donde, como debe de ser, elevan el rítmo y el rock en toda su intensidad vuelve a ser el protagonista principal. La guitarra suena poderosa, pero… ¡la flauta también! Nos dice en estos minutos sonoros que a pesar de su sonido dulce es capaz de crear poderosos sonidos que llenen todo. Una gran forma de terminar esta obra.

Pero lo que escribo no pueden ser mas que palabras sueltas si no lo demuestro, así que comparto dos rolas de este álbum.

We Used to Know



Nothing is Easy



Ya vendrá el tiempo para hablar del álbum Aqualung, pero es que, además del Thick as a Brick, son maravillas que merecen tener su publicación aparte.

Yes - Siberian Khatru

Jojo, me traen en "chinga", como decimos en mi pueblo, pero me parece bien, para que fluya este hilo y los amantes del progresivo lo disfruten. Mañana hablamos de Yes y específicamente del Close to the Edge, quinto disco de esta grandiosa banda del sinfónico progresivo inglés.

Seguimos sobrevolando los terrenos del progresivo sinfónico inglés, ahora con otra legendaria banda de corto nombre: Yes, pero de larga historia que perdura hasta nuestros días aún con pasadas pausas.

¿Porqué es mítica esta banda? ¿Por qué es considerado como uno de los supergrupos del Rock Progresivo? Porque la amalgama de excelentes músicos que han desfilado por la banda, la originalidad musical, la estética de sus portadas, los rebuscamientos sinfónicos hicieron que se les considere como uno de los que definieron esta rama del rock, aunque a mi parecer, siendo más precisos, la definición de la que podemos hablar es del Rock Progresivo Sinfónico, la rama más conocida de este género. Melodías de cuidada elaboración, estructuradas en arquitectura de música clásica donde los instrumentos tienen gran protagonismo rompiendo el molde clásico del rock en su idea de estrofa-estribillo-estrofa. A pesar de su experimentación, no entraron a los terrenos más experimentales por los que llegó a caminar otras ramas del progresivo, cosa que los llevó a ser la rama con más escuchas en el mundo.

La banda Yes se formó por iniciativa del cantante Jon Anderson al convencer a Chris Squire a tocar junto con él. Así comienza esta leyenda. Para completar el cuadro, consiguen a tres músicos más: Peter Banks en la guitarra, ¡Bill Bruford! En la batería y un desdibujado Tony Kaye en los teclados.

Lo cierto es que estos cinco músicos se compenetraron muy bien desde el primer momento, por lo que siempre fueron bien tratados por la crítica. Aunque su primer álbum, Sweetness –de 1969- no logro buenas ventas, el grupo supo aguantar y, para nuestros disfrute, ¡qué bueno que lo hicieron!

Para su segundo trabajo hay variaciones, tanto musicalmente como miembros de la agrupación. Peter Banks decide abandonar la banda, entre ello por el nuevo rumbo musical que se pretende tomar y es sustituido por el gran Steve Howe, músico con experiencia en estas lides. La música es más elaborada, más estudiada, dejando atrás la facilidad del pop del primer álbum. Este segundo trabajo es Time and a Word.

Llega el año 1971 y con él el inicio de la leyenda. Graban su tercer trabajo The Yes Album, donde la inclusión de Howe se hace notar claramente. Es aquí donde comienzan a aparecer las primeras rolas clásicas de la banda como Starship Trooper o Yours is not Disgrace, así como definen su estilo musical. Sin embargo, la banda quiere más, pretende llegar a más altura.

Trabajando para su cuarto proyecto, ven la necesidad de modificar el sonido de los teclados, incluir, además del piano y el divino Hammond, el uso de dos grandes instrumentos que han significado mucho en el sonido del progresivo: el mellotrón y el sinte Moog. Kaye no puede con el paquete y deserta, entonces hace aparición en escena el gran Rick Wakeman y su sonido barroco. A él le interesa lo que le propone Yes, pues busca experimentar en las sonoridades de los teclados y esos dos instrumentos que quieren adicionar son de gran ayuda. Y lo logra, claro que lo logra. En otro post hablaré específicamente de una canción donde las magníficas teclas de Wakeman me llevan al orgasmo musical. Pero no desviemos el camino.

En este momento tenemos la alineación más alabada y deseada de Yes: Wakeman, Howe, Anderson, Bruford y Squire. ¡Qué armados se encontraban estos chavos! Sin embargo, todavía faltaba incluir a alguien más para que todo el concepto de Yes se creara a plenitud.

A finales de ese mismo año sacan ese mencionado cuarto trabajo, Fragile, donde presentan todo el esplendor del sonido sinfónico de Yes, haciendo alarde de virtuosismo en cada componente. Pero sorprende otra cosa de este álbum, la portada. Para ello requirieron la creatividad de Roger Dean, que crearía hermosos mundos fantásticos con el que se conocería a la banda de aquí en adelante. Realmente no sé si Dean siga realizando el arte visual, pero el estilo se sigue manteniendo, aunque en algunos trabajos posteriores se prescindió de ello. Pero fue tan emblemático esos trabajos de Dean que uno ve esos dibujos y sabe que es Yes.

El tiempo que nunca se detiene, prosigue es cuando llegamos a la meta deseada: 1972, año en que graban su obra Close to the Edge. En este momento la banda conserva la misma alineación. No hay cambios e incluso Roger Dean permanece haciendo los gráficos.

El álbum consta de tres canciones, o mejor dicho una canción y dos suites:

1. Close to the Edge
• The Solid Time of Change
• Total Mass Retain
• I Get Up, I Get Down
• Seasons of Man
2. And You and I
• Cord of Life
• Eclipse
• The Preachor the Teacher
• Apocalypse
3. Siberian Khatru

La primer Suite –Close to the Edge- comienza con el sonido de la naturaleza para dar entrada a los teclados de Wakeman y revienta el sonido de las cuerdas de Howe y el bajo de Squire. Que gran comienzo. La batería está con todo ritmo y de vez en cuando Anderson hace presencia con un corito pequeñitito como para decir aquí estoy. De pronto la velocidad disminuye y da entrada a la segunda parte, Total Mass Retain, donde el condenado de Howe muestra esa prodigiosa guitarra que lleva en sus manos. Ahora sí hace acto de presencia Jon Anderson y esa voz aguda tan especial que posee. Oh, como es disfrutable el bajo de Squire, preciso, rítmico. Tal vez al que noto un poco menos es a Wakeman, que allí anda, con su teclado perfecto, pero es que uno está acostumbrado a su exceso de virtuosismo, que exige mucho, jojo. Lo cierto es que puedes sentarte y escuchar la canción con total atención y podrás desglosar cada instrumento y encontraras una riqueza de sonidos donde no se detienen en ritmos ni tiempos, donde cada uno entra cuando y como deben de entrar. De pronto la calma, Wakeman nos pasea con el suave sonido de sus teclas. Entramos a I Get Up, I Get Down, y Anderson transforma su voz, no canta, ora letanías progresivas, es un momento sublime, pero cuando pensamos que no existe nada más sublime, el condenado de Wakeman nos hace ver el error, están sus teclados barrocos, una misa en escena, un concierto dedicado a lo divino. ¿Notan, en el cambio a la cuarta parte como Wakeman toca órgano y sinte al mismo tiempo? Con este último nos mete de lleno a Seasons of Man. Se luce, demuestra esa versatilidad, ese poderío. El teclado es dueño de la canción mientras la base rítmica lo acompaña. ¿Qué quieren? ¡Esta canción es perfecta! Siddartha nos acompañó en este viaje.

Comienza la segunda Suite, And You and I, donde tú y yo escucharemos una hermosa intro de guitarra acústica con nombre propio. De momento se hace más melodiosa esa guitarra y comienza las teclas a generar un dueto. Ha comenzado Eclipse, la parte más melodiosa de la canción y de todo el disco. Jon Anderson no se hace esperar mientras Squire y Bruford marcan el paso con exactitud. Casi al final de esta sección hay una parte instrumental grandilocuente y como tal, debe intervenir la voz para quedar a la altura. Howe y su acústica nos vuelven a enlazar con The Preacher, the Teacher, en realidad es una variación rítmica de la melodía anterior, una inclusión en la letra, Wakeman desarrolla un poco más sus teclas, sin embargo, sigue siendo grandiosa. Ahora el teclado y la batería en forma lenta nos dan la entrada al final de la suite. Mismo recurso, pequeñas variaciones rítmicas nos despiden de la canción.

Y después de la melodía viene la energía… Siberian Khatru. Comienza con una velocidad mayor que en todo el disco, Howe y sus cuerdas llevan el protagónico, pero Chris Squire nos recuerda que el bajo puede ser mucho más que el ritmo y se apodera de la canción también. A media canción suena un clavecín wakemaniano, jojo, para dar entrada a la guitarra. Menos melodía más energía es la conclusión.

Después de grabar este disco, Bill Bruford decidió caminar hacia otra senda del progresivo, hacia caminos más intrincados con King Crimson, pero Yes seguiría escribiendo su historia y el sexto álbum –Tales From Topographic  Oceans- es otra maravilla que merece ser comentada, pero en otra ocasión, así como el Going for the One.

A llegado el momento esperado, el disfrute de las canciones. Como en esta ocasión este álbum solo consta de 3 tracks, pues ¡Lo escucharemos todo! El buen Estocada nos compartió Siberian Khatru, así que nos toca brindar las dos suites.

Close to the Edge



And You and I

Hola Moon, te traigo mi pequeña aportación al  hilo. Mike Olfield y Maggie Reilly - Moonlight Shadow.

¡Jijos! Tombita, RioSky, me han dejado mucha chamba, pero se agradece muchísimo, para que este hilo vaya creciendo. Esta semana he tenido y tendré mucho trabajo, pero la otra me hago espacio para sacar adelante esta cumbancha voladora y hablar de Mike Oldfield y el grupo de Andy Latimer, Camel.

Mike Oldfield - Tubular bells

Pido disculpas porque he dejado abandonado este hilo, pero mi cabezota no deja concentrarme para escribir una reseña adecuada para este viaje en estos momentos. ¡Cosas de los locos! Pero en cuanto pueda, lo hago. ¡Gracias, mil gracias por participar!

Gracias Tombita por esta aportación de la mítica banda ELP con esta rola original de Henry Mancini.

Moon, te traigo aquí algo que he encontrado, no los conocía, ha sido por casualidad, en una conversación sobre el rock alguien nombró a este grupo, lo he buscado y la verdad es que suenan tremendo. Disfrútalo.

¡Qué buen guitarra es el Petrucci! Él es uno de los fundadores del Dream Theater.

Gracias Tombita por recordarme este hilo que tenía olvidado.

Te acompaño con un clásico del Jethro Tull, la rola Aqualung.

Mi favorita de tooslos tiempos:

EMPATE:





Gloriosas

Un grupo que me gustaba mucho era el de los galeses de MAGENTA.

Surgieron a principio de siglo y con la maravillosa voz de  Christina, son extraordiarios, despúes de debut "Revolutions" 100% sinfónioc, se paaron a Neo Prog donde etaba mas cómodos, y ahora mezclan mucho.

Tuve la oportunidad de hacerme amigo de ellos y me mandaron material inédito para ua charladel grupo peruano de Rock Progresiovo "La Lata".

Acá algo de ellos:

Revolutions (Sinfónico)



Speechles Neo Prog:



Rock clásico



Cover de Wondrous Stories  (Mejor que Yes en mi opinión, nunca fui u fan de Jon, aunque sin el no es Yes):



Christina robándose el show en la Opera Prog She (Hecha por Clive Nolan para honor y gloria de Agnieszka Swita).



Supe que estuvo muy enferma, pero ya se recuperó.

En el 77 el Rock Progresivo empezó a decaer por los excesos las grandes bandas como The Lamb de Genesis y Tales From Topographic Oceans de Yes, que hicieron discos dobles, no teniendo material suficiente.

Después Gabriel y posteriormente Hackett se fueron de Genesis y se volvió una mediocre banda POP al mando de Phil Collins mientras que ELP regresaron con el inferior Works, el terrible Works II y el vergonzoso Love Beach.

Así que surgió el malignizado Neo Prog (Después hablaremos, porque hay cosas buenas) y en 1992 cuando el género estaba por morir, surgió la Art Rock Society de Suecia con Par Lindh a la cabeza y otras bandas extraordinarias como Änglagård y "The Flower Kings que resucitaron el género.

Änglagård rehusaba tocar con instrumentos que no hubieran en los 70, así que se compraron 4 mellotrones (Extraordinario instrumento nunca igualado pero no podías sostener una nota mas de 4 segundos, antes que se rebobinara. porque era una cinta pregrabada de distintos instrumentos y coros, modulada por teclas)

Mellotron:



Los coros eran espectaculares.

Pero volviendo al tema, surgieron estas bandas suecas que retomaron el camino del los 70, y hoy hablaremos de Par Lindh.

- Su primer álbum Gothic Impressions lo tenía compuesto desde 1978, pero el Rock Prog estaba en declive y lo guardó para dedicarse a organista clásico.

Formó su banda Par Lindh Project (PLP) y formó un supergrupo convocó a un supergrupo:

- Magdalena Hagberg / vocals (PLP)
- Pär Lindh / keyboards, bass, drums, percussion, producer (PLP)
- Jocke Ramsell / electric guitar (PLP)
- Ralf Glasz / vocals (PLP)
- Mathias Jonsson / vocals (Änglagård)
- Camerata Vocalis / chorus vocals (Coros)
- Björn Johansson / Classical guitar, bassoon, tinwhistle (Virtuoso solista)
- Roine Stolt / acoustic guitar (Flower Kings)
- Jonas Endgegård / electric guitar (Änglagård)
- Lovisa Stenberg / harp (Solista)
- Anna Holmgren / flute (Änglagård)
- Johan Högberg / bass (Änglagård)
- Mattias Olsson / drums, percussion (Änglagård)

Gothic Impressions



Mundus Incompertus



Como está mal grabado, versión original


Mundus Incompertus mal filmado






Baroque Impression [Live in Poland. 2007] Genial



Escuchenlos en estudio.

Llegó el turno de Änglagård, cuando empezaron en el 92, el menor tenía 14 años y el mayor tenía 20 años, brillante banda.

- Tord Lindman / electric and nylon & steel acoustic guitars, vocals
- Jonas Engdegård / electric and nylon & steel acoustic guitars
- Thomas Johnson / Mellotron, Hammond (B-3 & L-100), synths (Solina, Korg), clavinet, pianet, piano, electronic church organ
- Anna Holmgren / flute
- Johan Högberg / bass, bass pedals, Mellotron (effects)
- Mattias Olsson / drums, concert bass drum, tambourine, vibraslap, po-chung, gong, glockenspiel, tubular bells, bongos, Tibetan finger cymbals, wind chimes, a-gogo, cabasa, African drums, effect-flute, varied bells and percussions



Sacaron 2 álbumes (Hybris y Epilog) y se separaron hasta el 2012.
porque estudiaron, se dedicaron a otras cosa, pero regresaron, por eso se les ve jóvenes aún.

NOTA: Esos tres teclados cuadrados y blancos son sus tres melotrones, con ellos solucionaban el problema de los 4 segundos.

- Jordrock de su debut Hybris muy bien grabada en el 2015



- Vandringar i Vilsenhet "Live" 93 (Buena para ser pirata) de su debut Hybris



- Ifran Klarhet Till Klarhet



- ANGLAGARD - Live At Musikkflekken , Sandvika , Norway \ 2015




- ANGLAGARD "Sorgmantel" - Crescendo 2012 de su último disco Viljans Oga



Después de Genesis, mi banda favorita.

En estos días previos a Halloween me acuerdo de Parzival
Dejo aquí, en este hilo que él comenzó, un tema que creo le gustaría.

Moon...

Ahh

Sé que nos sigues leyendo, Moon. Espero que te guste.